En el fastigio

La enseñanza como arte, en el MUAC

2010-08-30T11:32:00.000-07:00

*Dos exposiciones muestran los vínculos del singular didactismo del alemán Joseph Beuys y el mexicano Mario Rangel Faz

**Hasta el 31 de octubre

El alemán Joseph Beuys (1921-1986), uno de los artistas más connotados de la segunda mitad del siglo XX, afirmaba que ser maestro era su mayor obra de arte. Por otro lado, Mario Rangel Faz (1956-2009) enseñó a toda una generación de artistas mexicanos nuevas formas de apropiarse de la realidad.

Hasta el 31 de octubre, el MUAC subraya los vínculos entre arte y educación con dos exposiciones que muestran paralelamente ese universo de posibilidades: Beuys y más allá. El enseñar como arte y Coordenadas. Mario Rangel Faz.

Integrada con piezas de la colección del Deutsche Bank, la primera de ellas exhibe cerca de 90 trabajos de Beuys y seis de sus “alumnos” más destacados en la Academia de Arte de Dusseldorf, donde fue profesor entre 1961 y 1972.

“Beuys creía fuertemente en la idea del arte como una posibilidad de transformación en lo individual. Por un lado, transformación de quien hace arte y, por el otro, de las personas que lo ven. Así, si puedes cambiar un individuo, puedes cambiar la sociedad”, explicó en entrevista la curadora Liz Christensen.

El artista vio en la educación una extensión del proceso artístico: se trataba del campo creativo más importante para la transformación de la cultura, una manera de contribuir a la conformación de lo que llamó la escultura social. En ese sentido, el artista consideraba que todo ser humano es un artista.

“Estuvo en conflicto con la academia porque no sentía que los estudiantes necesitaran tener un portafolio. Si querían ser artistas, debían ser artistas. Todo era la intención. ¿Qué quieres ser realmente?, ¿qué quieres expresar?”, recordó Christensen.

Por ello, Beuys enseñó a los jóvenes artistas a buscar su estilo y no copiar el suyo. Los motivó a seguir sus propios intereses y ser honestos como parte de la sociedad y su desarrollo.

“Los estudiantes amaban sus clases, eran controversiales y radicales. Su propósito era crear un diálogo, discusiones como círculo de clase, hablar de arte, la vida o de lo que pasaba. Es una parte muy importante de esta exhibición: creamos un diálogo visual entre los artistas que eran sus estudiantes y mostramos cómo era el vínculo con él”.

En las salas 4, 5 y 6 del MUAC se reúnen trabajos de artes gráficas, entre pinturas, dibujos, collages y fotografías de Joseph Beuys –quien exploró múltiples técnicas y materiales pero creía en el dibujo como importante proceso de maduración para sus propuestas– y un grupo de artistas que han brillado individualmente pero estuvieron asociados a él como alumnos: Lothar Baumgarten (1944), Jörg Immerdorff (1945-2007), Imi Knoebel (1940), Blinky Palermo (1943-1977), Katharina Sieverding (1944) y Norbert Tadeusz (1940).

Además del diálogo visual que se establece entre estilos e imaginarios, la exposición reúne una serie de impresiones de los artistas cercanos a Beuys.

Jörg Immerdorff en 1984: “Porque me confronté con Beuys, lo tomé como tema de mis cuadros y como objeto de mi admiración. Él comprendió muy bien que para mí ese era un método de discusión con él, mientras muchos otros lo veneraban con temor. Claro que tenía un súper-ego pero también mucho humor y un fuerte ingenio. Podía reírse maravillosamente con sus dientes de caballo y para mí era un estupendo fanático y anarquista”.

La exposición, itinerante por Latinoamérica, visitará también Monterrey. Con la petición de presentarla junto al trabajo de artistas del ámbito local cuyos intereses también se orientaran hacia la educación, se vincula con Coordenadas. Mario Rangel Faz.

Las rutas de la creación

Mario Rangel Faz fue maestro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. No sólo eso: participó activamente en las nuevas formas de creación colectiva desatadas durante las décadas de 1970 y 1980 en México.

Así, formó parte de Grupo SUMA (1976-1982), surgido en la Academia de San Carlos y pionero en el diálogo arte-política, así como de Atte. La Dirección (activo entre 1983 y 1992), cuyas propuestas cuestionaron el deterioro y la incongruencia de la sociedad mexicana.

Curada por Vicente Rojo Cama y Mariana Elizondo, la exposición antológica-homenaje Coordenadas es un descubrimiento tras una inmersión en la obra de Rangel Faz. En la sala 8 del museo, entre pintura, dibujo, collage, gráfica, instalación, arte-objeto y video, se advierten las rutas de su vida creativa, que van desde una investigación sobre el espacio de representación, hasta piezas contemporáneas de gran carga política.

“El diálogo con Beuys se da de una manera involuntaria, en la manera en que ambos veían el arte y lo desarrollaban. Hicimos la curaduría de Mario y su trabajo en Grupo Suma y Atte. La Dirección sin saber qué obras venían de Beuys”, explicó Vicente Rojo Cama en entrevista.

El también artista, quien trabajó al lado de Rangel Faz en Atte. La Dirección, recordó que para él era muy importante trabajar y comunicarse con jóvenes, dejar huella en otra gente y enseñarle a ver el mundo de otra manera.

“Compartía muchísimo más con sus alumnos que las clases. Les prestaba espacios para exponer su obra; no sólo les enseñaba el oficio sino el concepto: cómo moverse, cómo ver el mundo, relacionarse, hacer trabajo colectivo. No pedía tareas, provocaba ideas”.

De acuerdo con Mariana Elizondo, el título Coordenadas es apenas una lectura de las múltiples que ofrece la obra de Rangel Faz. Esta selección se enfoca, frente a la primera parte de su trayectoria –figurativa, con temas mexicanos y paisajes rurales–, en su tránsito, a finales de la década de 1980, hacia un lenguaje abstracto y lineal. Además de sus participaciones en los colectivos.

“Siempre busca situar puntos en el espacio. Se empezó a obsesionar con ello y en la serie Horizonte y columnas llevó este ejercicio hasta sus últimas consecuencias. La llamamos coordenadas por su investigación espacial: en la manera de cuadricular el espacio hay un juego de posibilidades infinito”. Christian Gómez

Las implicaciones de la reproductibilidad en el arte contemporáneo

2010-08-02T10:53:00.000-07:00

*Gramática infinita: reproducción total y estrategias perturbadoras del arte forma parte de una serie de reflexiones sobre el actual ciclo curatorial del MUAC

“En el arte pasa algo como lo que pasó con los partidos políticos, que fueron hechos para cambiar el poder y ahora sólo son una vía para llegar a él. Así, las galerías, creadas para romper la idea del arte académico y una vía para revolucionarlo, hoy son solamente un mecanismo para entrar en él”, señaló el artista Taniel Morales.

Lo hizo durante la mesa de discusión Gramática infinita: reproducción total y estrategias perturbadoras del arte, segunda de las ocho “intervenciones” teóricas que plantea el programa Delirio de fetiche: destierro platónico y arte contemporáneo al ciclo curatorial del MUAC en curso: Hechos y delirios: soporte, materia, trabajo.

En ese espacio, Morales reflexionó junto con la curadora independiente Eloísa Mora Ojeda sobre el sentido de la pieza que realizó en el contexto de la muestra Jardín de Academus: Parcial o total. La obra de arte en la época de su reproductibilidad total o parcial, que consiste en fotografiar libros de arte de difícil acceso para su posterior reproducción.

Se trata de una referencia al texto fundamental del filósofo Walter Benjamin La obra de arte en la época de su reproductibilidad técnica, donde analiza cómo se modifican las dinámicas de la experiencia frente al arte cuando éste deja de ser un bien accesible para pocos y puede conocerse masivamente gracias a las reproducciones, que sin embargo nunca lograrán duplicar el aura que recubre a los originales.

Así, la acción de Morales consistió en “recolectar la mayor cantidad de libros de arte, de difícil acceso, y fotografiar cada una de sus páginas. El archivo quedó almacenado en el disco duro de una computadora para que los visitantes de la exposición puedan consultarlo y llevarse una copia de los libros que les interesen con fines educativos, ya sea en DVD o USB”.

Dividido en ocho carpetas –Arte y choro, Artistas contemporáneos, Bienales colectivas, Cuerpo, Género, Revistas, PDF’s y docs, y Gödel, Escher, Bach–, el archivo supone una transgresión que permite acceder a cualquiera de los visitantes al “tesoro” del museo.

Sin embargo, respecto a la frase citada al inicio, el artista se enfrentó a la contradicción de trabajar dentro del museo. “Si bien algunas piezas son una crítica, dentro del museo pierden legitimidad o fuerza”. Y quizá, su fuerza transgresora.

Jardín de Academus en la era de la reproductibilidad técnica

La intervención Gramática infinita: reproducción total y estrategias perturbadoras del arte, articulada a partir de la pieza de Taniel Morales en Jardín de Academus, tuvo como punto de partida la perturbación de la idea de pieza única.

“¿Qué pasa cuando la obra de arte, la mentira del poeta, puede perturbar la idea de pieza única y original así como la estructura de ésta como mercancía? ¿Qué espacios y tiempos surgen cuando un archivo artístico perturba las distintas ideas asumidas en la historia del arte, la teoría estética y la filosofía?”, fueron las preguntas de partida.

La intervención debía problematizar “las distintas dimensiones de la creación de archivos como producción artística, educativa y transgresora, que posibilita la irrupción de gramáticas disidentes frente a la idea de un registro único y hegemónico”.

En ese contexto, Morales llevó al espacio del museo un ejercicio que para él era cotidiano. Recordó que durante su primer año como maestro prestaba libros, pero como se los regresaban maltratados, comenzó a fotografiarlos. Para la pieza se fotografiaron 50 libros, aunque en su acervo figuran ya 400 títulos. La finalidad es distribuirlos, pues se trata de los tesoros del museo que la gente puede ver sólo ahí.

“Lo que era arte hace 10 años hoy ya no funciona. Uno va atesorando cosas y da coraje no tener acceso a los libros que dicen lo que es arte ahora. ¿Qué pasa con las mediatecas repletas de libros a los que nunca accederemos?”

Para Eloísa Mora Ojeda, la pieza es una postura transgresora ante las políticas de exhibición del museo. Y el reto planteado era asumir esa postura dentro del espacio institucional de la exposición.

Al cuestionar los verdaderos alcances del proyecto, Morales señaló: “me siento en el MUAC como alguien que es invitado a exponer su problemática a la Cámara de Diputados”. ¿Se trata de una verdadera transgresión? Durante la discusión con los asistentes, el performer Víctor Sulser preguntó a Morales: “¿No crees que este proyecto es como robarse una manzana de la central de abastos?”

Para Mora Ojeda, fotografiar libros es un tipo de intervención que es difícil introducir en el mercado, aunque siempre es posible. ¿Qué haría distinta la pieza que compra un coleccionista de las reproducciones accesibles a todos? Ante ello, Morales invitó a los coleccionistas que quisieran la pieza a llevar su memoria USB para obtenerla.

El artista recordó la querella entre un performer y un fotógrafo que ganó un premio con unas imágenes donde aparecía el performance. ¿Quién sería el autor? El autor de las fotografías. Por ello, como dueño de un archivo con más de 40 mil imágenes considera que este archivo es su pieza y a nadie debe interesarle.

Así, la discusión respecto a las copias, más allá de la imposibilidad de reproducir la esencia de los originales, viró hacia el discurso de poder. El poder de la posesión del libro o la imagen como fetiches.

Para Mora Ojera, la apertura de los medios de reproducción plantea problemáticas legales, de lucro, así como el hecho de que la hipervisibilidad nulifica el fetiche.

De acuerdo con el artista, en la actualidad poseer los libros, publicarlos o censurarlos, más allá de los contenidos, es una cuestión de poder. Y recordó una anécdota: en el Faro de Oriente editó libros de divulgación sobre temas contemporáneos.

Los libros serían distribuidos entre los grupos con quienes se generaron las dinámicas de trabajo. Pero cuando la Secretaría de Cultura capitalina supo de la edición, que tenía el sello del centro cultural, censuró que la acción se hubiera realizado sin su autorización. La Secretaría de Cultura quemó 4 mil libros. Christian Gómez

Nota relacionada: http://www.informador.com.mx/cultura/2010/222064/6/taniel-morales-presenta-una-muestra-de-fotografias.htm

Ocho miradas teóricas al ciclo curatorial del MUAC

2010-07-29T10:02:00.000-07:00

*En la primera de ocho "intervenciones", discuten la noción de marco como espacio de representación y el peso de los marcos teóricos en el arte contemporáneo

¿Se basta a sí misma la obra de arte contemporáneo, o necesita ser explicada? ¿Debe ofrecerse al espectador la pura experiencia o debe entregársele el significado digerido a través del lenguaje? En cualquiera de los casos: ¿quién tiene la última palabra?, ¿curadores, filósofos, artistas?

Esos fueron algunos puntos que se discutieron en la mesa Mímesis y ciudad: marcos, rectángulos y camas, realizada en el Espacio Experimental de Construcción de Sentido del MUAC para motivar reflexiones sobre la exposición Todo a nada.

La mesa o “intervención” forma parte de Delirio de fetiche: destierro platónico y arte contemporáneo, serie de ocho espacios de reflexión sobre arte contemporáneo que se realizan en torno a las exposiciones del actual ciclo curatorial del museo: Hechos y delirios: soporte, materia, trabajo.

El ciclo curatorial “se centra en la calificación que Platón hace del artista y del poeta como ilusionistas y demiurgos (creador), para mostrar el modo en que el arte libera la fuerza de la vida y convierte el trabajo y la materia en pura ilusión”.

Sin embargo, debe subrayarse el rechazo de Platón por el mito y la mímesis o creación imágenes, actividad propia de poetas, pintores y escultores. Para el pensador, el ideal de vida se hallaba en la búsqueda del conocimiento filosófico de la verdad. Por ello, era necesario el exilio de poetas y sofistas de la ciudad: el destierro platónico consiste en la expulsión de los ilusionistas, de los creadores de imágenes.

En tal sentido, se explica, “Contrario a la ciudad platónica ideal, aquí (en este ciclo curatorial) se evidencian las poéticas y las estéticas en que la materia es transformada mediante la labor del artista hacia una experiencia sin uso ni finalidad aparente, y en donde imperan el delirio, la pasión, la fantasía y hasta el engaño”.

Límites de la representación e interpretación

La intención de las intervenciones en Delirio de fetiche es reflexionar sobre el arte contemporáneo con sus propios participantes, así como evaluar la pertinencia de la calificación platónica del creador de imágenes a propósito de ejemplos concretos de propuestas artísticas actuales.

Mímesis y ciudad: marcos, rectángulos y camas tuvo como objetivo abordar “el concepto de marco como soporte, límite, habitación, margen o idea (eidos) desde una disolución de las perspectivas de la filosofía y de la práctica artística. ¿De qué lado del marco quedan los poetas al ser clasificados como mentirosos e ilusionistas? ¿Hay lados del marco, afuera y adentro? Los límites ¿son fijos, temporales, visibles, infinitos?"

En ella participaron la académica de la Facultad de Filosofía y Letras María Antonia González Valerio y la artista inglesa Melanie Smith, quien ha problematizado en su creación el límite del marco como espacio de representación.

El punto de partida de la discusión fue la pieza de Smith Green Lush, incluida en la exposición Todo a nada y que consiste en una superficie saturada de hojas y toda clase de objetos verdes. La obra presenta un cuestionamiento a los límites del marco como espacio de representación (lo desborda), e incluso de las definiciones en el arte: no ganó una bienal porque el jurado no logró acordar si se trata de pintura o escultura.

Para González Valerio, quien forma parte de la Asociación Mexicana de Estudios sobre Estética, merece atención revisar el diálogo entre el arte y la filosofía, que ha existido siempre.

La académica identificó a la ciudad con el marco: platónicamente el arte miente y los poetas (no había nacido propiamente la noción de artista) deben ser expulsados de la ciudad, de la polis, hallarse fuera del marco. Y es en ese momento donde encuentra el nacimiento del lugar común que refiere el maltrato de la filosofía hacia el arte.

Recordó entonces que no existe tal división entre el arte y la filosofía: “La pieza no se basta a sí misma, porque si lo hiciera no estaríamos aquí”. Y si la obra no se basta a sí misma, hay que romper el marco teórico. “La lectura del espectador a veces está marcada por el desasosiego. Se trata de un desafío de las imágenes y los objetos”.

Por ello, señaló que la experiencia del arte, de entrada, no debería estar sometida a un marco conceptual. “¿Cómo hacer una experiencia estética que no pida de antemano un marco conceptual? Si sólo se busca traducir por completo una obra al concepto, algo está pasando”.

A propósito de Green Lush, Melanie Smith (Gran Bretaña, 1965), quien tuvo en 2006 la exposición retrospectiva Ciudad espiral y otros placeres artificiales en el Museo Universitario de Ciencias y Artes Campus, afirmó sentir que se trata de una obra fallida.

“Lo que me molesta es el rectángulo como límite. Creo que la obra no puede estar detenida en el rectángulo”. Lo pensó 10 años después de haberla realizado, al verla colgada en el muro. Sólo después de los años descubrió que una de las líneas de investigación de su trabajo estaba en el límite del marco.

Por ello habló de otras propuestas, que pueden conocerse en el catálogo de su retrospectiva en MUCA Campus. Entre ellas, Orange Lush, “una composición pictórica de la que los elementos quieren desbordar el marco, como la ciudad que se desborda desde adentro”; la ficción del momento en la videoinstalación Seis pasos hacia un proyecto o la desintegración de las imágenes y los símbolos en un proyecto que trabaja con niños.

Para Smith, quien encuentra en la pintura abstracta una oportunidad de catapultar a otra dimensión, resalta la necesidad de un metalenguaje (otro lenguaje que explique el de las obras de arte), la lectura del filósofo.

“Pienso en la necesidad de enmarcar el contexto de la obra con la palabra; lo lingüístico siempre regresa, reduce la sensación de la experiencia de la obra. El código, el curador y el filósofo siempre enmarcan y contextualizan, y estamos sujetos como artistas a la idea o el concepto. Pero lo que es inaceptable es que la obra se derive de la teoría”. Christian Gómez

Abrir la institución del arte a otras posibilidades, en Jardín de Academus

2010-07-09T10:37:00.000-07:00

*Participaron más de 100 artistas y mil personas
**Resultado del trabajo colectivo, la exposición permanecerá hasta el 25 de julio

Hace unos meses, cuando se presentó el tercer ciclo curatorial del MUAC, Hechos y delirios: soporte, materia, trabajo, la sala 8 del museo –destinada a la exposición Jardín de Academus– fue inaugurada vacía. Durante ese periodo, cada dos días se generó una nueva pieza artística, legado del trabajo de uno o varios artistas con comunidades marginadas del arte y la educación formal. El 26 de junio se presentaron los resultados.

La exposición fue conformándose a los ojos del público, que pudo visitar desde el 3 de abril el gran laboratorio en que se convirtió ese espacio. Más de 100 artistas participaron en 31 proyectos que involucraron mil colaboradores de diferentes grupos sociales: desde presos, enfermos mentales, burócratas, payasos, indígenas y sordos, hasta personajes virtuales de la WEB.

El título Jardín de Academus hace referencia al olivar sagrado dedicado a Atenea, diosa de la sabiduría, donde se construyó la Escuela de Platón. Curada por José Miguel González Casanova, artista y académico de la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP), es un ejercicio que, al cuestionar las reglas de la institución del arte y difuminar fronteras entre creadores y público, vuelve inoperantes los juicios sobre el elitismo del arte contemporáneo.

Nuevos modelos de integración

En la sala se realizaron fiestas, conciertos, obras de teatro, sesiones de dibujo, conferencias, congresos, trasmisiones de radio y televisión, así como diálogos en las redes sociales de internet y otras actividades. Todos ellos encaminados al aprendizaje a través de la experiencia del arte.

Para González Casanova, “la intención ha sido explorar nuevos modelos de integración del arte y la educación como procesos de ampliación del conocimiento”. Aquello, a partir de la construcción de una experiencia estético didáctica de la que las piezas son documentos.

La performer Lorena Wolffer convocó a mujeres víctimas de violencia para que donaran objetos relacionados con episodios dolorosos. Evidencias es el resultado del trabajo con ellas, que propone abordar públicamente la violencia para aprender que no es un problema individual, sino social, político y cultural.

Yutsil Cruz realizó una colaboración con Discos Medellín y Rincón caliente, comerciantes del barrio de Tepito que surten a los sonideros y realizaron una colección especial para la pieza. “Se trata de reconocer como expertos en el campo a personas con un gusto peculiar por la música. Son especialistas”, expresó la curadora. La pieza es una referencia a un trabajo del colectivo Tepito Arte Acá y continúa el trabajo de arte público que Cruz realiza en esa comunidad.

En Saque su acordeón, Alejandro Rincón Gutiérrez propuso una discusión entre artistas, profesores y promotores comunitarios sobre el papel de los acordeones que se utilizan para copiar en los exámenes como dispositivos de aprendizaje autodidacta.

En Gener/ando desconciertos, Paola García Ruiz fue la primera en llevar al MUAC una pasarela de moda. Una donde, a través de la reflexión sobre lo femenino, lo masculino y el discurso queer, se evidenció que “el género es una puesta en escena donde el individuo puede ser activo en su construcción”.

Integrado por estudiantes de la ENAP, el Seminario de medios múltiples 2 exploró en Concilio saber vivido las formas de transmisión de conocimiento de las personas adultas mayores y generó un compendio ilustrado de saberes que compartieron miembros del INAPAM.

En El viento sopla donde quiere. Intersticio, Antonio Vega Macotela hizo que tres reclusos llamaran desde la cárcel de Santa Marta Acatitla al MUAC. Conversaron un extorsionista con un psicoanalista, un timador con un filósofo y un ladrón con un economista, “procurando una práctica mayéutica como método de aprendizaje”. Las conversaciones se escucharon en toda la sala. Para el artista, los internos escapaban de la cárcel en forma de sonido.

Rosangela Renno subastó objetos encontrados en varios tianguis y cuestionó su valor económico y de identidad como parte de la memoria; Luis Mario Moncada, autor de la obra 9 días de guerra en Facebook, realizó un performance donde cuestionó el valor de la amistad al eliminar "amigos" de esta red social. Por otra parte, Daniel Godínez generó una serie de “tequiografías”, monografías con explicaciones sobre la muerte, salud, educación y otros temas en lenguas indígenas y español.

Otros artistas participantes fueron Urs Jaeggi, Taniel Morales, Pablo Helguera, Alejandro Rincón Gutiérrez, Idaid Rodríguez, Colectivo Masa Crítica, Sofía Olascoaga y Víctor García Zapata, Leonel Sagahón, Julio Ruslán Torres Leyva, Patricia Martín, Ricardo Caballero, Víctor G. Noxpango y Pilar Villela (Noxpi-pili), Rodrigo Johnson Celorio, Rosangela Rennó, Seminario de Medios Múltiples 1, Pinto mi raya, Luis Mario Moncada, Jaime Enrique Barragán, C.O.C.O.A., Diego Medina, Belen Sola y Pamela Gallo, Mónica Castillo, Vicente Rojo Cama y Eloy Tarcisio, así como Elías Levin Rojo.

Los retos de la estructura museística

La inusual cantidad de colaboradores y la diversidad de actividades en Jardín de Academus fueron un reto para la estructura del MUAC como institución. “No esperaba la constante dificultad de adaptación de un proyecto procesual y móvil con la estructura del museo. Me sorprendió mucho que esta situación de perfomance permanente meses la confrontara tanto”, señaló González Casanova.

“Es un precedente para que el museo cuestione una serie de reglas y procedimientos que ojalá retome como una experiencia positiva”. Pese a ello, el proyecto funcionó y ordena 31 proyectos en una sala donde se expusieron sólo 10 piezas cuando se inauguró el MUAC.

“Ha sido una prueba no sólo para los participantes, sino también para los equipos de trabajo del museo (administrativos, custodios, museografía), que no estaban acostumbrados a estas dinámicas. Desde el principio adivinamos que era parte de la experiencia”, coincidió Jorge Reynoso, en representación del museo, que en su opinión debe someterse a un escrutinio por parte de un perfil distinto de artistas y reconocer su función como espacio universitario de construcción de conocimiento. Christian Gómez (Imágenes de Verónica Rosales)

La nueva ciudad de las damas, de Eve Gil

2010-06-02T09:14:00.000-07:00

En la antología de ensayos La nueva ciudad de las damas, Eve Gil se entrega a una tarea nada menor: enmendar una posible historia de la literatura. El objetivo: entregar a la escritura femenina (que no literatura femenina) el lugar tantas veces negado.

La portada del libro sintetiza el planteamiento del trabajo. Sobre enormes torres de letras, numerosas mujeres esperan, separadas por abismos. Esperan en la misma ciudad, que se prolonga más allá de la imagen. Hay que tender puentes, nombrar las calles de la nueva ciudad, dar cuenta de esa historia… La autora se propone crear esos vínculos.

La publicación es una pausa que revisa su continua labor, que surgió cuando estudiaba Letras hispánicas en Hermosillo en 1992, como un acto de “vandalismo intelectual”. Frente a los programas que sólo contemplaban la literatura escrita por hombres y acaso algunos textos de Sor Juana Inés de la Cruz, se propuso buscar una genealogía para no sentirse tan sola en su ambición por ser escritora.

Se trata de una primera recopilación de los textos que encontraron sus primeros ecos a principios de esta década en el diario Excélsior en la columna “La trenza de Sor Juana”. Ni siquiera el cambio de dueños que acabó con su espacio impreso impidió que su público cautivo quedara sin cartas de su búsqueda eterna. Siguió su aventura, ahora con la red como soporte en trenzamocha.blogspot.com.

“Sufrí un poco para lograr cierta empatía con un par de ellas, cuyos criterios e ideologías chocaban frontalmente con los míos. Sin embargo, nadie se ha ocupado de acercarse a las primeras mujeres que obtuvieron el codiciado galardón”, reconoce sobre una revisión de las once autoras que han obtenido el Premio Nobel. Esa confrontación se repite en este título con las letras de 32 autoras.

Arqueología del estilo

El título es un homenaje a la trilogía La ciudad de las damas, de Cristina de Pizán (1364-1430), “la primera escritora feminista de la historia sencillamente por ser la primera que escribe desde la experiencia de su cuerpo de mujer”.

En La nueva ciudad de las damas, Eve Gil se entrevista con cada una de las habitantes y se mueve por sus historias personales y literarias. Se involucra en una búsqueda a través de una arqueología del estilo, ese sello personal del autor de una obra. Acaba por descubrir que la ciudad no es nueva: había que encontrarle lugar en los mapas, trazados y poblados por los hombres.

Dar cuenta de una antología de esta extensión (427 pp.) exige encontrar elementos comunes en los textos que aglutina. Invariablemente, Gil investiga a las autoras en sus propias letras, pero también de forma extraliteraria: cada texto es resultado de una profunda investigación.

La autora de Réquiem por una muñeca rota recupera pasajes esenciales en la vida de las escritoras y muestra, de manera paralela a la construcción de personajes e historias, episodios dolorosos, triunfos y quiebres familiares. Mira a contraluz las obras literarias y revela ángulos inéditos de sus creadoras.

Las escritoras son mostradas sin visos de apologías, destaca su humanidad. Retrata a Gabriela Mistral como una mujer con un pasado doloroso que encontró refugio en la poesía; a La novela de Genji, de Murasaki Shikibu y su imaginario fantástico, le atribuye el papel de la “Primera novela de la Historia. Punto”.

Busca en Hildegard Von Bingen algo más que una mujer que escribía en estado de trance; devuelve a Johanna Schopenhauer su lugar como la primera mujer alemana en dedicarse profesionalmente a la escritura en oposición al secundario papel de madre del célebre filósofo.

Rastrea el concepto del pecado en la narrativa de Sigrid Undset, el sentido del humor de Gertrude Stein; una Simone de Beauvior que “no quería escribir sin antes arrancarse la piel de la muchacha burguesa para quedar en carne viva”.

“Es la ironía donde Rosario (Castellanos) encuentra la riquísima veta a explotar para pagar la crítica machista con la misma moneda sin parecer una hembrista furibunda y resentida”, afirma.

Investiga el travestismo literario de James Tiptree Jr., seudónimo de Alice Bradley, el destacado ejercicio de valor de la periodista rusa Anna Politkovskaya y el tratamiento del racismo de los negros contra los propios negros en la literatura de la Nobel Toni Morrison. Desmenuza a Susan Sontag, así como las letras de Elfriede Jelinek, quien afirmaba: "Yo no le doy tregua al lenguaje, una y otra vez lo arranco de su lecho, uno debe torturar al lenguaje para que diga la verdad".

Cuestiona la representación de la mujer en la literatura y hace sutiles invitaciones, resultados de exhaustivas búsquedas.

Eve Gil señala abiertamente que muchos de los ensayos requirieron ser revisados y reescritos en repetidas ocasiones (¿qué texto no?) para agregar datos, otras miradas. Y aunque seguramente la antología no se ordenó de acuerdo con las fechas en que escribió los textos, puede advertirse una evolución en su estilo, que va desde una repetición innecesaria de las tramas y sus vericuetos hacia una equilibrada síntesis de datos y una justa ubicación de las autoras en su contexto histórico.

Publicada en la Serie El Estudio de Textos de Difusión Cultural, la propuesta de la autora recuerda el valor de libros como Mujeres insumisas, entrevistas de Angélica Abelleyra, y ejercicios de búsqueda por la literatura como La brújula hechizada, de Mauricio Montiel Figueiras, también de reciente publicación. La nueva ciudad de las damas es resultado de años de lectura voraz y una pausa para ofrecer señas sobre esta ciudad de la que ella es cronista.

Algo tiene de malvada esta publicación: convencernos de la existencia de una historia de la literatura que nos era desconocida y convertir la próxima visita a una librería en una experiencia desoladora para cualquier presupuesto. Christian Gómez

9 días de guerra en Facebook, “me gusta”

2010-05-11T21:51:00.000-07:00

Facebook tiene más de 400 millones de usuarios activos que, en conjunto, pasan alrededor de 500 billones (millones de millones) de minutos por mes en la página; quizá escribir una historia sobre alguno de los relatos del mundo que ahí se construyen (ése es el verbo) tenga algún sentido.

“Esta historia ocurrió tal como la vamos a contar, los dichos son en su mayoría textuales; quiénes lo dijeron no importa en absoluto (aunque muchos de ellos podrían estar en su lista de amigos de Facebook)”, así comienza la narración de 9 días de guerra en Facebook, obra escrita por Luis Mario Moncada y dirigida por Martín Acosta.

“Es enero del 2009. La franja de Gaza está siendo bombardeada por Israel, que intenta concluir su ofensiva antes que Obama llegue a la Casa Blanca. Al mismo tiempo, decenas y cientos de internautas inician un debate que cada día adquiere visos de una guerra verbal tan interminable como el propio conflicto en Medio Oriente. La pregunta es si las balas de bytes hieren tan mortalmente como las de plomo”.

La anécdota es ésa. Y es complicado tejer una sinopsis de la puesta en escena más allá de las líneas que la sintetizan. El reto es mayúsculo, semejante al de condensar una Historia a partir de escuchar a todos sus habitantes hablar a la vez; internet nos ha enseñado que hoy todos tienen voz, pero no hay quién oiga.

Unirse a este grupo

De acuerdo con información estadística de Facebook, más de 25 billones de piezas de contenido se publican al mes, entre ligas a páginas, estados de ánimo, notas, fotografías, álbumes y un amplio etcétera.

En tal contexto, la historia (tómese el lenguaje teatral con pinzas) es detonada por un personaje (categoría quizá demasiado humana) que publica su postura frente al conflicto árabe-israelí en Medio Oriente y lo compara, a través de una imagen “efectista” de niños sufriendo, con la tragedia del Holocausto Judío.

La semilla de la idea publicada por el moderador del debate y narrador de la historia (el propio Moncada) hace germinar la intolerancia y la incomunicación de sus “amigos”, de todas las latitudes e ideologías. Tras plantear la anécdota, unos minutos después de comenzar la obra, la narración en sentido estricto concluye, se pierde en una avalancha de respuestas, de discursos inaudibles.

Durante cerca de dos horas, el espectador vive narcotizado, esforzando los sentidos para acercarse a una narración inaprehensible y cada vez más frenética de historias sobrepuestas, que se cuentan al mismo tiempo y se anulan entre sí.

Se ponen de manifiesto las diferentes dinámicas que se establecen cuando las redes sociales median las relaciones interpersonales. ¿Cómo se concibe la cercanía y los vínculos emocionales entre personas que jamás llegan a verse?

No sólo eso: la obra desvela problemáticas arquetípicas y contemporáneas por igual que escapan al soporte de la red. Aparecen el acoso, el narcisismo, el protagonismo, la intolerancia, la provocación, las cruzadas ideológicas, el cuestionamiento del valor de las imágenes, la ubicuidad o la capacidad de estar en todas partes, la guerra, la secreta intención de “eliminar a alguien”, aunque sea de la lista de contactos… El público “ha sido etiquetado” en esta obra.

Me gusta/Hazte fan

La web 2.0, espacio idóneo para las redes sociales, ha permitido a los usuarios de internet generar e intercambiar contenidos y no ser sólo espectadores de información. Otro dato de Facebook: 50 por ciento de sus 400 millones de usuarios consulta su cuenta al menos una vez al día.

9 días de guerra en Facebook seleccionó apenas una historia de todas las que se generan en las redes sociales. Pone rostro a esa realidad, que actualiza el debate de la construcción de sentido en los medios de comunicación pero con el complejo matiz de la virtualidad, una segunda vida en la pantalla.

Los recursos escenográficos contribuyen a mostrar de una manera literal la dinámica de Facebook. Existe un gran muro, como el que tienen los usuarios de la página, para que se publiquen contenidos e ideas y los 17 actores se convierten en soldados. El vestuario, en consonancia, enriquece por su plasticidad visual, como las fotografías de los perfiles de los usuarios, donde la imagen del yo resulta ineludiblemente beneficiada.

La puesta se propone como un teatro documento, género surgido en los años setenta que trata temas políticos y de denuncia. Es una metáfora ante un clima de época. Es capaz de generar en el espectador una reflexión sobre la (¿supuesta?) revolución de las redes sociales y su verdadero alcance para la transformación del ser humano.

En una entrevista con Antonio Castro para la revista Letras libres en 2008, Luis Mario Moncada se dijo identificado con las búsquedas del teatro mexicano actual en cuanto a sus referencias al mundo concreto, a los medios de comunicación. Experimentar con los lenguajes le representa un experimento muy seductor.

Es el idilio del teatro y la vida. Con la dirección de Martín Acosta, que construyó una inquietante velocidad en la obra, ésta sólo logra transmitir una sensación al espectador ante su tiempo. Y no venderle una concepción moralina ante las redes sociales, enorme tentación para los libros publicados desde el desconocimiento, sobreinterpretaciones, misticismos y falsos debates.

La obra 9 días de guerra en Facebook, escrita por Luis Mario Moncada y dirigida por Martín Acosta, se presentará en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz hasta el 4 de julio. Jueves y viernes 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas. Admisión $140 con los descuentos habituales. Jueves $ 30. Christian Gómez

Una lectura de la contemporaneidad, en Carreras

2010-05-09T21:03:00.000-07:00

La contemporaneidad exige: hay que dejar de ser jodido, acabar una carrera, tener una pareja estable, un trabajo bien pagado; ser competitivo en una sociedad global. La dinámica del consumo ha fijado las reglas: hay que correr en un mundo dividido entre exitosos y perdedores, sin puntos medios.

Ése es el planteamiento de la obra Carreras, escrita y dirigida por Germán Castillo (Teatro Santa Catarina) y que narra cuatro historias de pareja que reflejan la prisa por seguir los modelos que traza la vida actual.

“Son ocho jóvenes que han cursado carreras y están comenzando su carrera profesional. Tienen cierta prisa por establecerse emocionalmente con una pareja, tienen prisa por apropiarse de la vida”, explicó Castillo. Se trata de una carrera que debe hacerse aunque no exista una meta ni dirección clara.

“Carrera es una palabra con muchas acepciones: la de los estudios universitarios, la carrera profesional una vez terminados éstos, el andar a las carreras en una ciudad tan grande y caótica; las carreras de béisbol, la carrera de las putas…

“La obra habla sobre la urgencia que impone el consumismo por obtener satisfactores impuestos, creados por el mercado, las falsas ideologías y las falsas expectativas”.

Las reglas del juego

Con prisa, ocho jóvenes corren alrededor de cuatro sillones azules que constituyen el espacio escénico. Los dirige un árbitro que funge como narrador de la obra, como mediador entre la metáfora de la carrera en el teatro y la vida.

Mientras corren, reflexionan los caminos que siguen. Cuestionan sus nociones de éxito profesional y sentimental. Todos corren. Luego de cada vuelta al escenario, un par de actores permanece y presenta una pieza de la historia que se va construyendo, y complicando.

La relación de dos mujeres se ve fragmentada porque una desea embarazarse y la otra conservar su poder sobre la primera. Otra pareja se separa porque ella busca alcanzar un puesto de alto mando mientras que su marido lamenta ganar menos dinero y no seguir con el doctorado. Antes leían poesía, hoy se piden sexo secamente.

Dos viejos amigos se “necesitan” en la soledad: intimidad sin compromiso, acuerdos profesionales subrepticios, contratos manipulados. Él es fotógrafo y nunca ha amado; ella, una modelo cuya vida profesional se ha terminado a los 22 años.

Cuando se fueron a vivir a casa de los padres de ella, él tuvo que dejar la escuela. Sólo quisieran salir adelante, tener una noche para ir a bailar y tener privacidad. “No siento que seas mi mujer, eres más hija y hermanita”.

El entrelazamiento de las historias pone sobre la mesa el fracaso, la posesión, la envidia, los celos de pareja y profesionales. Para Germán Castillo (Ciudad de México, 1944), “los personajes vienen de una lectura de la contemporaneidad” que sintetizó en esta pieza teatral a partir de dinámicas de improvisación en su seminario de actuación.

Carreras

El correr constante de los actores evidencia su trabajo emocional en los pequeños cuadros en que la obra se divide y las carreras que el árbitro determina. En la primera se plantea la configuración de las parejas; en la segunda, un silbatazo marca faltas, momentos precisos en que las relaciones se fracturan por una actitud impulsiva; en la tercera, sugiere la supremacía de la casualidad, que aplasta el entramado de aspiraciones sobre el que se erige un noviazgo.

La separación está a un soplido y los nuevos encuentros a una copa. Las historias se entrelazan e inquietan al espectador con sus preguntas: ¿Y qué tal si esto no es lo que queremos? ¿Puede alguien, en su sitio, estar fuera de lugar? ¿Qué hubiera pasado si no hubiera hecho las cosas de esa forma? ¿Qué se siente?, ¿cómo sabes que lo quieres?

Las respuestas son desalentadoras: “Estaba casado, pero me fui porque no sabía estar casado” o “cojas con lo que cojas, la cosa está difícil”. Para el árbitro, mientras el tiempo transcurre todo se va complicando y los días se tornan difíciles de habitar.

Los personajes se encaminan al fracaso. De acuerdo con el también poeta y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte: “Todo es consecuencia de la sociedad de consumo que obliga a los individuos a ver por ellos mismos y califica de manera cruel entre exitosos y perdedores, sin matices: todo el mundo quiere ser triunfador y eso es imposible. Esta sociedad de consumo niega el matiz. Es tajante”.

Teatro Santa Catarina, hasta el 4 de julio. Jueves y viernes 20:00, sábados 19:00 y domingos 18:00 horas.

Trabajando un día particular

2010-05-03T15:05:00.000-07:00

En Trabajando un día particular, Laura Almela y Daniel Giménez Cacho no sólo reelaboran en teatro Una giornata particolare (1977), cinta de Ettore Scola protagonizada por Sophia Loren y Marcello Mastroianni; su planteamiento, en cambio, desmenuza las condiciones de la representación escénica. Los actores construyen el escenario frente al público. Encuentran en una maleta la escenografía mínima para activar imágenes y el fuera campo se vuelve extensión concreta del escenario; sin más aditamentos que el negro de las paredes, dibujan a su paso –literalmente– lámparas o ventanas que cierran y abren sin conflicto técnico. El escape de un pájaro de su jaula cruza el camino de un locutor antifascista y homosexual a punto de suicidarse y la madre de seis hijos que atesora un álbum con imágenes de Mussolini. La contradicción ideológica se difumina en un encuentro sexual que resulta un complejo cuestionamiento de valores. Ninguna distracción obstaculiza el transcurrir de la puesta de dos actores que quedaron sin director para su obra: pueden repetir segmentos, corregir errores. El teatro se mira a sí mismo. Ubicado en la Italia fascista, el relato de intolerancia tiene pertinencia en un contexto político distinto pero en un escenario de dogmatismos algo menos distante. Christian Gómez

Laura Almela y Daniel Giménez Cacho, Trabajando un día particular, Teatro El Milagro. Hasta junio.

La Brújula hechizada, las rutas por el panorama literario actual

2010-03-23T11:26:00.000-07:00

En La brújula hechizada, Mauricio Montiel Figueiras no sólo encontró un hilo conductor adecuado para antologar una serie de reseñas afortunadas de libros; tejió una metáfora que retrata la sensación de extravío del lector ante el panorama literario actual y obliga a la reflexión profunda sobre el sentido de la crítica.

Para el narrador, ensayista y traductor (Guadalajara, Jalisco, 1968), la elección de un camino por la literatura de hoy está marcada por “una globalización que apela primordialmente al consumo indiscriminado y acrítico”.

Ante ese escenario regido por el marketing, ofrece una brújula en la que el norte es el acto de contar historias y un mapa con las coordenadas para ubicar a los autores que desde su perspectiva merecen ser revisados; los viajeros conocen la posición de las estrellas, el comportamiento de las aguas, la dirección de los vientos.

El crítico como guía

Reseñar es una cuestión ética: una propuesta, una apuesta intelectual que orienta la lectura y aporta claves al espectador. Por ello, el crítico no está obligado a gastarse en elogios porque su compromiso no es con las editoriales ni con los autores, sino con la literatura y sus consumidores.

“El caso de Auster constata que asumir la figura del hombre orquesta no siempre rinde buenos frutos; la incursión en Hollywood, para no ir más lejos, ha afectado su literatura”, escribe Montiel Figueiras.

Quizá sin advertirlo, detona una reflexión sobre el papel del crítico como lector competente capaz de establecer relaciones históricas e intertextuales, que escribe de literatura actual pero es capaz de entrever en la estructura de los textos la presencia de los clásicos, el influjo de una corriente, la relación con sus contemporáneos.

En Alessandro Baricco encuentra una relectura de Ítalo Calvino: “Levedad, entonces, y no frivolidad, es lo que define la labor de Baricco, levedad del pensar. Levedad anecdótica, estructural y lingüística, palpable especialmente en Seda y Sin sangre”.

Publicados originalmente en la revista Letras libres, el semanario Día siete, de El Universal o el suplemento cultural El Ángel, de Reforma, los textos ofrecen una inmersión en la vida de los escritores –detalles, momentos definitorios, casualidades, causalidades– y advierten las interrelaciones al interior y al exterior de sus obras; rastrean los mitos, recursos estilísticos, desmenuzan categorías y voces narrativas.

En la obra de Haruki Murakami olfatea el predominio del símbolo y la alteridad: “En Sputnik están también los dispositivos tecnológicos –el teléfono, la computadora– como nexos con el orbe íntimo y la alteridad, la manía por la cultura pop y la música clásica, la disociación de la personalidad detonada por el impulso erótico y el análisis de algo que Murakami ha patentado y que podríamos llamar el vaciamiento femenino a partir de una situación extrema”.

La antología marca su distancia de los falsos debates de cifras alarmistas y vagas impresiones de funcionarios, así como del ingenuo cuestionamiento a la pertinencia de la reseña crítica como género y la supuesta tiranía de los críticos. La cruzada debe encaminarse contra la reseña perezosa, comprometida con sus proveedores, la que ofrece panoramas de índice y se escribe con informaciones de contraportada.

Las preguntas eternas se actualizan: ¿quién habla en la literatura? ¿El autor que trabaja constantemente la palabra, una pulsión creativa que lo posesiona, las imágenes en la cabeza del lector o llanamente la vida? O aquel cuestionamiento del sociólogo Gregorio Hernández Zamora: ¿quién define lo que es leer? ¿El Estado, la academia, la crítica, el mercado?

Mientras tanto, Montiel Figueiras propone lecturas y ejes temáticos de la obra de Roberto Bolaño, Ricardo Piglia, James Ellroy, Juan José Saer, J. M. Coetzee, Yukio Mishima y una veintena de autores de todas las latitudes. Así, podemos especular, para el autor de La penumbra inconveniente, el escritor y el lector coexisten y encuentran en la novela un dispositivo de vinculación.

Aunque sus textos podrían ser más breves en consonancia con las exigencias periodísticas, La brújula hechizada es la constatación de que en las páginas de los diarios están escritos los consejos de viaje, se sugieren rutas, están las claves de nuestro tiempo.

Publicada por la Colección Pértiga DGE | Equilibrista-UNAM, la edición consta de 2 mil mapas para los viajeros. En un mundo posmoderno lleno de extraños solitarios, esta brújula remite a algunas páginas que se ofrecen como plazas públicas, escenarios de diálogo. Christian Gómez

Discurso entre caramelos: Félix González-Torres en el MUAC

2010-03-04T13:48:00.000-08:00

Cuando Somewhere/nowehere, panorama del trabajo del artista Félix González-Torres (Cuba, 1957-1996), fue inaugurada los últimos días de febrero, los diarios mexicanos celebraron una provocadora posibilidad: “Invitan en el MUAC a ‘deshacer’ obras”.

Veintinueve trabajos de entre 1987 y 1995 se articulan en un discurso artístico cancelado para los no iniciados por un trabajo curatorial parco en la puntualización de matices que orienten la lectura de las piezas.

Curada por la argentina Sonia Vecce, la muestra recuerda a cada instante que el autor desafía al público a tomar un rol más activo –puede apropiarse de las piezas, llevarlas a casa– y la idea del amor como un eje fundamental.

Instalaciones de caramelos y pilas de carteles que el público puede tomar, imágenes en rompecabezas, las famosas guirnaldas de luces, cortinas de cuentas de colores y carteles en la vía pública, provenientes de diferentes colecciones públicas y privadas de México, Estados Unidos y Europa, como el Museum of Modern Art –MoMA- Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art y el Art Institute de Chicago, crean un ambiente estimulante para el espectador.

González-Torres fue un cubano en Nueva York, marxista y gay que murió de SIDA y generó piezas a partir de su contexto sociocultural e historia personal: dejar ir poco a poco las piezas era una metáfora de una lenta despedida de sus seres queridos. Las minorías marginadas, la autoría y coleccionismo son ejes fundamentales en su obra. Sin embargo, sólo el primer aspecto queda clarificado en la exposición.

En “La Obra de Arte en la época de su reproductibilidad técnica”, Walter Benjamin plantea que una pieza de arte original posee un aura conferida por el artista, en oposición a las reproducciones que en ningún caso podrían conservarla. Que los museos o coleccionistas puedan adquirir de la Fundación González-Torres, por algunos millones de dólares, licencias para reproducir o modificar las piezas es al menos inquietante y merece una nota curatorial.

Se trata de un planteamiento crítico sobre el arte de su tiempo y no precisarlo en un espacio con vocación educativa autoriza a cualquier espectador para cuestionar la validez de sus obras, convertidas en objetos de producción en serie. Algo así como un discurso que se pierde entre caramelos.

La otra generala

2010-03-01T12:45:00.000-08:00

Sur del estado de Morelos. La Revolución Mexicana en pleno. Angustias, la joven hija de un generoso bandido, es discriminada por vivir con la bruja Crescencia y negarse a ser víctima del acoso de los hombres. Tras acuchillar a un charro que intenta violarla, huye al monte y se une a la tropa zapatista. Convertida en coronela, sigue las enseñanzas de su padre e imparte justicia entre mujeres y campesinos.

Se trata del argumento de La negra Angustias (1949), cinta de Matilde Landeta, primera directora del cine nacional, que con motivo del centenario de su nacimiento y la conmemoración del Día Internacional de la Mujer será exhibida el martes 9 de marzo a las 19:00 horas en la Sala José Revueltas del Centro Cultural Universitario.

La negra Angustias (85 minutos), copia que forma parte del acervo de la Filmoteca de la UNAM, será presentada por Marcela Fernández Violante (Ciudad de México, 1941), reconocida guionista y directora que preside la Fundación Cultural Matilde Landeta, que promueve la creación de escritoras mexicanas de cine.

Las otras mujeres del cine mexicano

Como la propia Matilde Landeta narró a Alejandro Medrano en una conversación que incluye en Quince directores del cine mexicano –libro editado por Plaza y Valdés–, empezó a ser verdaderamente conocida cuando el crítico Jorge Ayala Blanco se encontró con sus cintas.

“Matilde Landeta, nosotros te amamos” fue el título del texto que el autor de La aventura del cine mexicano publicó entonces. Analizó el carácter de la directora a través, precisamente, del estudio de La negra Angustias. Sucedió en 1975, Año Internacional de la Mujer, cuando la Cineteca Nacional preparaba un ciclo de cine hecho por mujeres.

La directora, quien recibió su primera oportunidad al lado de Fernando de Fuentes como aprendiz de anotadora, se dedicó a hacer un cine que reivindicó el papel de la mujer en un mundo (sobre todo el cinematográfico) dominado por los hombres.

Así, logro dirigir cuatro cintas: Lola Casanova (1948), La negra Angustias (1949), Trotacalles (1951) y Nocturno a Rosario (1991), además de participar como guionista, anotadora, asistente de dirección, productora y guionista en casi medio centenar de películas.

En la entrevista con Medrano, recordó que el cine mexicano “casi siempre era misógino; la mujer era un ser de segunda categoría completamente. Era la mujer que debía ser resignada la lección que daba una película de Fernando Soler, Pedro Infante (…), la mujer tenía que ser sumisa y aguantar todas las insolencias del hombre”.

Frente al cine de su época, se cuestionó los mecanismos de representación de lo femenino y se propuso hacer lo contrario.

“El cine mexicano reconoció en la mujer su vientre y es ahora una gran madre paridora o una gran prostituta. No ha tenido más que esos dos caminos. Normalmente todo el mundo pensaba y se reía mucho en las comedietas en que la mujer era sobajada al infinito (…). Jorge Negrete podía irse de parranda y legar borracho, insulta a la mujer y ésta no hacía otra cosa más que llorar en un rinconcito, no en voz muy alta porque eso ya era rebeldía”.

De acuerdo con la directora, la reacción del público era buena, pero en los productores era hostil: “me les había insubordinado”. Por ello, Lola casanova no se estrenó en un año, pues fue boicoteada, y cuando lo hizo permaneció apenas cinco días en cartelera.

Un destino más crudo fue el que tuvo Tribunal de menores, un argumento en el que trabajó por años junto con su hermano y que, tras presentarlo al Banco Nacional Cinematográfico y vender los derechos del guión al entonces director, Eduardo Garduño, fue realizado por otro director y obtuvo un premio en el Festival de Cine de Berlín que nunca le entregaron.

De acuerdo con Martínez Violante, “Matilde se entera de que su historia será llevada a la pantalla por el director debutante Alfonso Corona Blake, bajo el título de El camino de la vida, cuyo rodaje está programado para febrero de 1956. Esta decisión no sólo violaba el acuerdo establecido con el Banco de que ella sería la realizadora, sino además sus derechos legales como autora al modificar el título del argumento, sin haber obtenido su autorización.

“El camino de la vida obtuvo cuatro Arieles en 1957, entre ellos el de Mejor Película, Mejor Dirección, el de Mejor Argumento Original (de Matilde y Eduardo Landeta) y el de Película de Mayor Interés Nacional. Incluso el escritor Carlos Fuentes publicó en 1956 un artículo en la Revista de la Universidad de México, en el que hacía comentarios elogiosos en torno a la película”. Pese a ello, la historia se ha encargado de reivindicar el papel de Matilde Landeta en los anales del cine mexicano.

Egresada de la primera generación del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, donde imparte las materias de guión y realización cinematográfica, Martínez Violante ha participado en diferentes festivales internacionales y realizó en 1982 el cortometraje documental Matilde Landeta, pionera del cine nacional, lo que la convirtió en la primera en rescatar la vida de la directora en la pantalla.

El Homenaje a Matilde Landeta a 100 años de su natalicio se realizará en la Sala José Revueltas del Centro Cultural Universitario el martes 9 de marzo a las 19:00 horas. Con la presencia de Marcela Fernández Violante. Entrada con invitación o boleto. Christian Gómez

Periferia de tus ojos. Días & Riedweg, una reflexión sobre la otredad, en el MUAC

2010-01-25T15:57:00.000-08:00

Mauricio Dias (Río de Janeiro, Brasil, 1964) y Walter Riedweg (Lucerna, Suiza, 1955) trabajan juntos desde 1993 y se han consolidado en el escenario del arte contemporáneo como pioneros del arte público y el video. En Periferia de tus ojos. Días & Riedweg, exposición alojada hasta marzo por el Museo Universitario Arte Contemporáneo –MUAC–, ofrecen una reflexión sobre la otredad y una confrontación entre la imagen de un Brasil contemporáneo y su pasado colonial.

Conformada por cinco obras entre videoinstalación y fotografía, la muestra invade los sentidos del espectador por medio de una mezcla de colores vivos, música funk e imágenes sugerentes de la vida en las favelas en aquél país sudamericano.

“Hay de públicos a públicos y de trabajos a trabajos, nosotros trabajamos con cuestiones públicas, no hablamos de especificidades, hablamos de la equidad social, del tejido social y sus componentes”, explica Mauricio Dias sobre la posibilidad de aprehender el sentido de la obra que expone al lado de Riedweg.

En tal sentido, el objetivo de piezas como Funk Staden y Do universo do baile es motivar una reflexión crítica sobre “la forma en que ciertas estructuras coloniales perviven en la actualidad” y establecer un cuestionamiento sobre la construcción de los clichés que existen en torno a su cultura.

Un país al revés

Do universo do baile (Universo del baile) atrapa la mirada del espectador que ingresa en la sala con una pista de baile amarillo y verde, como la bandera brasileña. Curiosamente, cada cuadro que la forma es una báscula, con lo que se genera una diferenciación entre los espectadores que suben en ella. Mientras, un rumor de música funk mezclado con el ritmo carioca invade la sala.

Es apenas la mitad de la pieza. La otra es la proyección de una triada de contradicciones: la bandera brasileña al revés, con el lema positivista “amor, orden y progreso” de cabeza; un travesti que vive en la calle leyendo la constitución en el apartado del derecho a la no discriminación; y por último, un grupo de jóvenes en un baile funk donde el himno nacional, símbolo de unidad, es manipulado electrónicamente y musicaliza un enfrentamiento vandálico.

“Usamos tres símbolos nacionales que son de Brasil pero podrían ser de cualquier país, el caso es que vivimos ahí. Este trabajo trata de la distancia efectiva que existe entre los símbolos nacionales y su aplicación en la sociedad. Todo aquí se invierte, en orden y progreso hay desorden y retroceso”, asegura Dias.

Periferia omnipresente

Para Walter Riedweg, “el baile funky contemporáneo en las favelas se asocia con el traficante local, que se erige rey en un mundo del que no consigue salir porque pertenece a cierto territorio”.

Desde 2006, ambos artistas se encuentran inmersos en el mundo cultural del funk, un género adoptado por los cariocas y que refleja en sus temas el desacuerdo constante entre la historia oficial y las realidades locales. El llamado funk carioca está fuertemente asociado con un carácter ilegal que no se desprende de la vida en las favelas.

“Las favelas normalmente son la periferia de la ciudad pero en este caso están por todas partes, en todas las colinas y muros altos. Hacen una música muy fuerte que habla de exclusión social, sexualidad, conflicto con la policía, la relación con el narco, con la ciudad, un proceso bastante violento: ‘Las leyes aplican para todos’, pero su realidad es otra”, añade Dias.

De ahí surgen Xilogravuras, Livro y Funk Staden, pieza que contrapone la cultura local actual y la relación histórica que el investigador alemán Hans Staden sentó en 1557 en el libro Verdadera historia y descripción de un país de salvajes desnudos, feroces y caníbales, situado en el Nuevo Mundo, América, motivador de un abanico de clichés sobre el salvajismo del trópico.

La video instalación se presentó originalmente en la 12ª Documenta de Kassel, de donde es originario Staden. A través de tres paneles de video generado con tres cámaras, se yuxtaponen las ilustraciones de la historia narrada por Staden con la cultura funk de las favelas de Río de Janeiro, con lo que los “funkeiros” reescriben la historia y dibujan “una especie de antropófago contemporáneo que es el urbano marginado”.

En el mismo sentido, Xilogravuras es una serie de fotografías analógicas de los bailes actuales que muestran alegorías de la preparación de un ritual antropófago, según el texto de Staden. Y Livro, una videoinstalación, es una especie de púlpito que reproduce imágenes del último ejemplar de la primera edición del libro.

Mi nombre en tu boca

Meu nome na tua boca (Mi nombre en tu boca) es una videoinstalación que habla de la la construcción del otro en la memoria emocional luego de una ruptura de pareja. Una serie de tendederos de ropa separan dos proyecciones: una donde las bocas de 50 participantes, todas distintas, susurran los nombres de las personas con quienes tuvieron relaciones sexuales. Del otro, rostros y nucas de las personas que dejan mensajes de amor en contestadoras automáticas.

Periferia de tus ojos. Días & Riedweg habla de los espacios y visiones en las que el individuo se conforma, se cuestionan los mecanismos de representación, la incomprensión e intolerancia hacia “el otro” y la exclusión en guetos. Todo a través de metáforas.

“Yo soy artista, no soy un teórico, yo funciono con metáforas –concluye Dias. Lo que puedo hacer es negarme en mis metáforas para hacer que los mensajes que quiero decir sean claros, no puedo contarlos así, no soy un teórico. Para eso es que existe la forma, yo creo en el poder del arte como una herramienta de comunicación bastante compleja y pertinente para toda la sociedad, incluso más que la educación”. Hasta marzo. Christian Gómez (Jessica Moreno, fotografía)

Michel Houellebecq. Nihilismo, viajes, erotismo

2009-12-29T10:43:00.000-08:00

Durante su primera visita a México, el escritor francés Michel Houellebecq dijo entre otras cosas a la prensa mexicana que hacer poesía se ha vuelto una actividad casi clandestina, que pensar en el verdadero lector de nada sirve al escribir, que la vida nunca basta. Pero si en sus páginas quedó retratado como un provocador, durante la clausura de la quinta edición de Poesía en Voz Alta.09 sus lectores se encontraron con un poeta adolescente, aunque nacido en 1958.

En un singular recital junto al músico Alonso Arreola, titulado Particulas horizontales, la presencia del autor se convirtió en la última pieza del festival internacional, que conmemoró los 50 años de Casa del Lago como centro cultural universitario.

Durante una noche fría en los jardines de la casa, el grupo Molino de Cuento emocionó al público en una presentación que fue definida como una mezcla de poesía e instalación sonora. Daniel Malpica (acordeón), Manuel Menéndez (tabla), Mariana Hijar (flauta transversal), Marco Armenta (guitarra eléctrica), Alejandro Sierra Manrique (darbuka) y Mariana Castro Garduño (voz) no prepararon a la audiencia para la llegada de Houellebecq; fueron un claro ejemplo de que Poesía en Voz Alta ha sacado a la poesía de sus formas tradicionales.

En un escenario iluminado de azul, la voz de un presentador ausente anunció a Michel Houellebecq, al compositor mexicano Alonso Arreola y al músico José María Arreola en un “recital en su acepción más literal”. Una aseveración cuestionable. Habló de dos obras que se dan la mano: “los personajes de uno y las partituras del otro aludirán al nihilismo, los viajes y el erotismo y la posibilidad del amor”.

Poeta, novelista y ensayista cuya obra ha sido traducida a más de 25 lenguas, se ha convertido en un mito de la nueva narrativa europea. Houellebecq ha sido puesto en el centro de una polémica religiosa y sexual por los temas de sus obras. Al menos eso afirman sus lectores y la crítica a propósito de Plataforma, La posibilidad de una isla, Ampliación del campo de batalla, Las particulas elementales, El mundo como supermercado y varios otros titulos.

Para cuando el juego de música, poesía y luz comenzó, el público era una multitud de pies sobre hojas secas, de manos frotándose para hacer calor, de brazos aferrados a un árbol para ver entre las cabezas de otros, de voces susurrando los poemas: “El primer paso de la tragedia poética consiste en remontarse al origen. A saber: el sufrimiento”.

Subtitulado del francés en tiempo real, cualquier cosa que eso signifique, el poeta leyó sus textos en su lengua mientras detrás de él la traducción al español aparecía en una pantalla. Leyó con el ímpetu de un escritor solitario que pocas veces hace lecturas ante unas trescientas personas. “Y volved siempre al origen que es el sufrimiento”.

Los músicos jugaron. Con la repetición de un sonido creado en ese instante, una batería y un bajo. Jugaron también con los sonidos de una pequeña radio, el rumor de una canción, el rebotar de una pelotita, un silbato, otros juguetes, semillas.

Mientras tanto, Houellebecq escuchaba la música con atención quirúrigica para saber el momento de empezar a leer el siguiente poema. Apoyado en una pierna, bailó balanceándose nervioso ante las miradas, con el pulgar derecho en la bolsa del pantalón y con la mano izquierda apretando el micrófono contra su pecho.

Tres botellas de agua junto a sus pies y apenas una fue abierta mientras lanzaba una mirada nerviosa al público y al cielo. El poeta es un adolescente nervios. Houellebecq no entonó ni declamó su poesía: alzó su voz y vivió. Y apenas advirtió su gran audiencia, retornó a revisar un detalle en el micrófono, en el papel, en el público, en el cielo.

Una visión del mundo contemporáneo

Una de las grandes razones de la visita de Michel Houellebecq a México en el marco de Poesía en Voz Alta.09, que se desarrolló de 21 de octubre al jueves 26 de noviembre, se llama Alonso Arreola, compositor y periodista mexicano, ex integrante del grupo La barranca que ha llevado su música incluso por Japón.

En entrevista explicó la hazaña: “Hace 11 meses terminé de leer su última novela; ya había leído todo de él y estaba profundamente impresionado por su obra. Decidí contactarlo a como diera lugar: lo logré, empezamos una amistad por correo electrónico y finalmente le propuse que viniera, pese a lo difícil que es lograr que salga de su casa”.

A partir de enconces trabajó junto con José María Arreola para realizar la música, impredecible como su poesía. “Hicimos el guión de la música pero la mitad son improvisaciones, había ejes rectores que tenían que ver con los textos; se modificaron un poco con el ensayo con Michel que duró unas 8 horas”.

La visita de Michel Houellebecq fue posible gracias a Canal 22, la editorial Anagrama, la UNAM y sobre todo la gestión de Arreola, cuya impresión sobre el poeta merece el esfuerzo cristalizado hace unos días en Casa del Lago: “Su visión del mundo contemporáneo y sobre todo su visión del amor es algo que me toca de manera muy personal”.

El festival internacional Poesía en Voz Alta.09 contó con la presencia de autores como Úrsula Rucker, Manuel Rocha Iturbide, Francisco Segovia, Bartolomé Ferrando, Feli Dávalos, Bruno Montané y colectivos como MotínPoeta o Poetas del megáfono, entre muchos otros. Christian Gómez

El sueño no es un refugio sino un arma, de Geney Beltrán Félix

2009-10-09T16:05:00.000-07:00

Para el escritor y editor Geney Beltrán Félix (Culiacán, Sinaloa, 1976), “desde Montaigne, el ensayo ha hecho residir su definición en el carisma del estilo y la divagación caprichosa de un tema”. Y es justo así, de manera caprichosa, como provoca al lector en El sueño no es un refugio sino un arma, su último libro de ensayo, llevándolo hacia una especulación sobre lo que significa escribir hoy.

Publicado este año en la Colección Diagonal de los Textos de Difusión Cultural de la UNAM, el libro se divide en dos partes: Escritos viscerales, donde reflexiona sobre los retos y el (disímbolo) papel actual del lector, el narrador y el crítico; y Cuaderno azaroso, hojas de crítica literaria donde lleva a la praxis su distanciamiento de la lectura vacía, compiladora, cuantitativa, y de la reseña (género que niega) superflua.

Se trata, precisamente, de una antología de textos viscerales en los que se advierten, con lucidez, algunos rasgos que marcan la actividad literaria desarrollada en la plenitud de la posmodernidad. Pese a ello, el libro es, un llamado a creer de nuevo en la escritura, en la literatura perdurable, capaz de cambiar la visión del mundo.

Destacan “Historias de perras vulnerables”, que más allá de una crítica literaria es una lectura de los autores de su tiempo, y los ensayos “Historias para un país inexistente”, “La doble raíz” y “La inspiración en Julio Manuez”, donde, a través de una pintoresca anécdota personal como editor, ilustra la perenne falta de autocrítica en los escritores. Un texto contundente.

En “Historias para un país inexistente”, Beltrán Félix cuestiona la función de la literatura como constructora de identidad en un país sin fundamento; a través de un epígrafe de Juan Rulfo, abre una ventana hacia el paisaje árido del México de nuestros días.

Es un ensayo que cuenta una historia de desencanto. Sentencia: “México fue en último término la novela más exitosa y fallida de la literatura y la cultura de casi un siglo”. Héroes inexistentes y un falso sentido de pertenencia, gracias a los cuales las nuevas generaciones tienen como reto redefinir un país, “un país donde la vida no vale nada”, y en el que además no hay lectores.

Estas páginas son depositarias de frases tan entusiastas como desoladoras que se atreven a reivindicar, por ejemplo, la actividad creadora: “la necesidad personal de la escritura es más impetuosa que la conciencia del escribir para una comunidad inexistente”.

Por otra parte, en “La doble raíz” habla de la mentira que representan juicios como aquellos que sostienen que escribir de nada sirve. Es una reflexión actual del eterno problema “para qué escribir”. ¿Escribir por el arte?, ¿por la fama? Es ésa la doble raíz, pero es eterna. El autor va más allá, plantea la necesidad (exigencia) del escritor de creer en la escritura como un medio de acción, la legítima raíz hoy: “Tarde o temprano, escribir trastoca al mundo”.

El de Beltrán Félix no es un libro que responde preguntas. Es en cambio una serie de ideas discutibles –“Los periódicos existen para que los libros sigan siendo insustituibles”–, una contienda contra la literatura comercial y una dura crítica al medio académico que no debe leerse como resentimiento sino como provocación. Se trata de un libro que más allá de ser leído, merece ser discutido.

El autor hace un examen al medio literario. Es una cruzada contra la falta de crítica. Reprocha la comodidad del cubículo universitario, la falta de propuestas y sensibilidad. Va contra la literatura que no se arriesga y que no responde a las exigencias de su tiempo.

El sueño no es un refugio sino un arma, título que tomó de un verso del poeta peruano E. A. Westphalen, funciona como una metáfora, donde el sueño representa a la escritura y ésta funciona así como un arma para cambiar al mundo.

El 4 de enero de 2009, Geney escribió en su blog la entrada “Una novela así”, donde suplica por “Una novela que vomite. Que vocifere su furia, que respire con enojo, hastiada de seguirle creyendo a la escritura sus ímpetus pudibundos (…). Una novela que no use guantes de seda, que no tome el té de las cinco…”. El sueño no es un refugio sino un arma funciona como un altavoz que, con un tiraje de mil ejemplares y una edición bien cuidada, le permite pedirla a gritos.

Los güeros también ríen... en el MUAC

2009-09-08T20:55:00.000-07:00

Una cámara gira sobre su eje y recorre una habitación llena de animales de granja. Se trata de una sala de estar en la que interactúan chivos, gansos y gallinas que usan los sillones, muerden los cojines y las plantas… Un completo caos.

Lo que se ve es un trabajo de la videoartista alemana Corinna Snichtt, que muestra cómo sería la realidad si los animales de los cuentos ocuparan espacios humanos. Once upon a time (Érase una vez), de 2005, sirvió como presentación de la conferencia “Humor e ironía en el videoarte alemán”, a cargo de Ludwing Seyfarth y Bjorn Melhus en el Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC).

En ella, el historiador y crítico de arte Ludwing Seyfarth recordó que los alemanes son conocidos por su trabajo en la poesía, la filosofía y por ser personas serias y ordenadas. Sin embargo, poco se sabe de su sentido del humor.

En contra del prejuicio sobre la seriedad alemana, resaltó que las historias visuales y el humor, aunque de manera particular, son comunes en ese país y eso se refleja en el videoarte.

Para ejemplificarlo, proyectó algunas escenas del trabajo de Karl Valentin y Loriot. Valentin fue el primer alemán que utilizó el cine para hacer reír en la década de 1920, con un trabajo que contiene rasgos del slapstick comedy, la “comedia de pastelazo”, caracterizada por las exageraciones y la torpeza de sus personajes. Por otro lado, en la década de 1960, Loriot presentaba confusiones de sentido e ingeniosos diálogos en contextos de la vida común alemana.

De acuerdo con Seyfarth, la tradición del humor en su país se refleja hoy en el videoarte, que muestra situaciones que salen de su orden natural.

En Guerreros de Terracota (2006), Wendel se caracteriza como una de las famosas estatuas chinas y se esconde entre ellas; en Bienvenido Mr. Wong, el artista residente en Alemania Ming Wong re-representa escenas de películas famosas en sus lenguas originales, pese a su acento.

En La caza (1992/1997), Christian Jankowski lleva un arco al supermercado y literalmente caza su alimento lanzándole flechas; en Art Market TV (2008) ridiculiza las subastas de arte, las compara con la venta de productos en televisión y trivializa las propuestas de artistas como Franz West y Liam Gillick; y en Cuando era un Cuisillo, un videoclip hecho con la banda popular mexicana Cuisillos.

Para Seyfarth, los trabajos expuestos representan un reflejo del cinismo que han adquirido tanto el arte y los medios de comunicación alemanes durante los últimos 20 años.

Humor y crítica de la sociedad occidental

Para el videoartista alemán Bjorn Melhus, “a veces los momentos trágicos pueden ser graciosos”. Realizadas con materiales de la cultura popular, entre sus piezas destacan Auto center drive (2003), The oral thing (2001), Still mano out there (2003) y Captain (2005).

Según ha dicho, su trabajo se ha basado en las ficciones y en la manera en que éstas se entrelazan con la realidad que se presenta en los medios de comunicación: “hago ficciones dentro de otras ficciones, hay ironía en las nuevas situaciones”.

A partir de escenas, fragmentos de películas y noticiarios, realiza trabajos en los que él mismo aparece caracterizado como distintos personajes (Dorothy, de El Mago de Oz, un bebé o una señora), con lo que establece una singular y crítica perspectiva de la ironía. Una particular concepción del humor, a ratos perturbadora.

“Mi trabajo se relaciona con la televisión estadounidense –explicó– porque el 90 por ciento de la basura que se produce en el mundo y se ve en Alemania viene de Estados Unidos. Con esa basura hago más basura”. Christian Gómez

Carpe diem, nuestros males endémicos

2009-06-17T20:36:00.001-07:00

Una epidemia está a punto de desatarse y los sistemas de salud no son capaces de contenerla. La seguridad nacional está en riesgo pero no solamente por la amenaza de un contagioso y atípico virus sino por los males endémicos (corruptelas y complicidades) que potencian su propagación.

La Ciudad de México se convierte en un espacio estratégico para sembrar una nueva enfermedad que ha de ser cubierta con una “cortina de humo”; se vuelve blanco del terrorismo biológico y plataforma para atacar al vecino del Norte... Aunque verosímil y familiar, se trata de la trama de Carpe diem, primer obra de ficción de Samuel Ponce de León (1950), recientemente publicada en la serie Rayuela de la Dirección de Literatura y la Coordinación de Difusión Cultural de la UNAM.

Dedicado al estudio y tratamiento de enfermedades infecciosas, Ponce de León narra en Carpe diem la historia de Julián de los Arcos, un connotado epidemiólogo e investigador que, de forma paralela a su trabajo en el terreno de la Medicina, decide emprender una acción de justicia política: buscar una vacuna para los distintos males que aquejan a una sociedad como la mexicana, y no sólo en el ámbito médico.

Con brillante ingenuidad o calculada malicia, la novela presenta una evaluación hipotética del sistema de salud y su capacidad de reacción, así como de los círculos de poder a la cabeza de importantes instituciones en nuestro país.

A través de un relato ficcional, desvela grandes problemas verdaderos: incapacidad, conflictos de interés, narcotráfico, trata de blancas, y varios otros. Pero no sólo eso. Ponce de león dibuja un escenario de un país en crisis planteado a fuerza de una historia a la vez difícil de creer –por su fuerte anclaje a la realidad– y verosímil.

En ella, Julián y Servando son dos funcionarios justos que luchan contra una sólida estructura de corrupción y relaciones de poder. En Carpe diem el autor además reelabora el relato convencional que retrata la descomposición del sistema y crea escenarios inéditos y emocionantes. Y al mismo tiempo hace partícipe al lector, quien mientras corre las páginas pasa junto a los edificios, los restaurantes o las avenidas donde sucede la historia.

Por ello y por su dinámica, el trabajo de Ponce de León recuerda la estimulante resolución de lo turbio en las líneas de Carlos Fuentes en La cabeza de la hidra o en los Dos crímenes de Ibargüengoitia; de escenarios locales, crítica y misiones justicieras.

La locución latina que da nombre a la novela y significa “aprovecha el día” se vuelve dentro de la historia y para el lector una provocación y un llamado a la sociedad para recordarle su papel en la dinámica del poder.

De lenguaje directo y estructura accesible, la novela de Ponce de León goza de un estilo cuyo mérito mayor es la sencillez. En sus letras se advierten las numerosas muestras que el autor levantó antes de hacer un diagnóstico lo mismo del sistema de salud que del periodismo o de la política, de las organizaciones civiles y los diferentes círculos de influencia en que se desenvuelve el protagonista. Levantada ésta, realiza un cultivo y muestra su evolución, las mutaciones y una posible, aunque violenta, cura.

Libro temerario que pone nombres, direcciones, rostros y no esconde juicios, Carpe diem es una prueba de laboratorio-escritorio, un análisis clínico-literario del accionar de un país. La muestra de nuestros males endémicos. Un estudio completo, la crítica de una sociedad entera que, publicado a principios de este año, concilia ficción y realidad.

Con una edición que pudo ser mejor cuidada, es una opción para el lector ávido de historias de nuestros días y nuestros espacios. Un final redondo y justo cierra el relato (o retrato) de un círculo vicioso de poder. Lo hace a la vez que siembra, como su personaje, una línea de acción coronada por una poderosa frase: Carpe diem. Christian Gómez

Two Black Monoliths, en el Museo Experimental El Eco

2009-04-24T14:14:00.000-07:00

Artista visual y director publicitario del Grupo Editorial Celeste, Aldo Chaparro da un trago a su bebida. Viste como si la noche prometiera fiesta. Y lo hace. Habla de su obra: “en el título Two Black Monoliths no hay poesía, la pieza es eso justamente, y a pesar de ello suena poético”.

Es 16 de abril y se inaugura Two Black Monoliths en el Museo Experimental El Eco. Chaparro tiene razón: su pieza consiste justamente en dos monolitos negros paralelos, pero con algunos matices extras que definen su significado.

Se trata de una reinterpretación de la pieza del escultor Tony Smith, The Elevens Are Up, de 1963, que representaba con dos monolitos del mismo tamaño y forma los dos músculos del cuello que se aflojan y hacen perder el equilibrio a un alcohólico. Smith, por supuesto, lo era.

Pero la pieza de Chaparro, si bien conserva las características de tamaño y forma, va más allá. Busca explorar la espiritualidad a partir de la masa y el volumen. Y reflexionar sobre la idea del objeto, su uso y valor en relación a su entorno y en relación al arte.

Afirma el artista: “a partir de mi experiencia como editor, funciono como un curador de mi propio trabajo: lo que hago es editar piezas populares”. Por ello trabaja a partir de la creación de otro artista y agrega algunos referentes de la cultura popular, para resignificar la obra y crear una completamente nueva.

Para ello, revistió los dos monolitos con luces verdes y el sonido de la agrupación alemana de música electrónica Kraftwerk, surgida en la década de 1970. Además de las referencias a películas como Tron (1982), de Steven Spielberg y 2001: Odisea del espacio (1968), de Stanley Kubrick, que inserta otro camino para el significado.

“En 2001, apunta el artista, el monolito era un vigilante. En el cine de Kubrick el miedo era una constante y, particularmente en esta cinta, se plantea la idea del miedo a que las computadoras se rebelen”.

Chaparro, quien otorga “información de fácil acceso para que el espectador entienda sus piezas a partir de un mínimo de información”, asegura que Two Black Monoliths es el resultado de una visión naif de esos referentes.

Es decir, el resultado de una mirada espontánea e ingenua, casi infantil del artista. Se trata de un juego entre “la referencia evidente, icónica, popular” que habla de la modernidad, la exploración del artista y el diálogo con el museo mismo.

Una especulación artística

Como la mayor parte de las obras que se exponen en el Museo Experimental del Eco, Two Black Monoliths está motivada por la historia que encierra este espacio universitario diseñado por Mathias Goeritz, proyectado a partir de “intereses formales, gnósticos y místicos que vinculaban principios de la arquitectura teotihuacana” con elementos del expresionismo alemán.

El Eco, cuenta su historia, surgió como una edificación “con símbolos que aludían a una diversidad ideológica en aras de lograr una oración plástica, proponiendo un lugar de posibilidades múltiples donde sucediera una resonancia creativa”.

Como parte de esa resonancia, Aldo Chaparro propone una especulación plástica. Es decir, presenta la posibilidad de ver su obra al mismo tiempo como un objeto, un trabajo de arquitectura y como evento.

Con ello, busca que sus exposiciones sean “situaciones que suceden en el tiempo”. A diferencia de la pintura y la escultura, que existen y pueden apreciarse en un momento preciso, busca que su instalación sea como la “música y el cine, con los que vives un momento de tu vida” que no sucede en un solo instante.

“Mi vocación como editor y diseñador me obliga a crear como si trabajara para un cliente”. Así, en El Eco, su muestra constituye una síntesis de forma y referentes. “Todo artista es una antena que capta la señal de más lejos: yo la hago evidente”.

Ese es el motivo de que elija los materiales de sus obras después de tener la idea. Lo importante es que hay un discurso detrás de sus obras y su preocupación porque el espectador lo conozca: “el conocimiento afecta tu condición estética”, la apreciación de una pieza artística. “Pero yo selecciono mis iconos para que la experiencia no sea tan complicada, es información que yo cocino”.

Otra pieza acompaña a Two Black Monoliths: un letrero luminoso con una frase en inglés del músico estadunidense Scott Walker: “enciende este sentimiento, así podremos estar juntos una vez más, y no sentiremos la gravedad del tiempo”. El público podrá hacerlo en el Museo Experimental El Eco. Sullivan 43, colonia San Rafael. Christian Gómez

Si no los cuento yo...

2009-04-13T18:13:00.001-07:00

Hace unos días platicaba con uno de los chicos del grupo donde soy ayudante de profesor y hablábamos sobre por qué no leo La Jornada. La explicación, fidedigna pese a todo, no se origina a partir de circunstancias inéditas ni tiene increíbles causales pragmáticas o alcances ideológicos. Simplemente estoy decepcionado. Lejos de los grandes sueños.

Aquello no significa que no tenga intenciones de hacer algo con mi vida. Simplemente, he decidido no embarcarme en empresas inútiles, innecesarias y hasta risibles.

Basten dos ejemplos. Era 2006 y, con 18 años recién cumplidos esperaba asistir a un evento histórico en las primeras elecciones en las que votaría. Entonces quienes estudiábamos en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales protestábamos en contra de la llamada ley Televisa. Ya en el Zócalo, ya fuera de la Cámara de Diputados.

Ambos eventos nos tenían de verdad emocionados, frenéticos de ser partícipes de este gran cambio del que debíamos ser parte y cuyas dimensiones la Universidad nos hizo entender: un revés a los poderes fácticos y, ahora sí, la transición a la vida democrática bajo nuestro líder salido del pueblo. Ya saben quién.

Julio Hernández López, el astillero, se convirtió para algunos amigos y para mí, quizá en el ideólogo de nuestra generación. La historia es conocida y grotesca: los empoderados (¿existe esa palabra?) estaban locos y tenían los medios para concretar sus desvaríos y lo hicieron; y lo peor, a quienes “les robaron la elección” y sus defensores también enloquecieron. Hoy Hernández López seguro sería capaz de explicar la crisis económica mundial como un plan de las “fuerzas oscuras” –o cualquier pintoresco sinónimo– en contra de AMLO.

Segundo ejemplo. Apenas unos meses después del descalabro, también en 2006, secuestraron a una amiga del grupillo de soñadores. La historia terminó mal y aún en 2009 la familia no puede librarse del miedo ni de las audiencias ni de la burocracia.

En medio de la marcha por la paz (no sé cómo la llamaron los oportunistas organizadores), el Señor Presidente de la República, Licenciado Felipe de Jesús Calderón Hinojosa, ofreció ayudar a esta familia y a otra que tuvo que pagar un rescate en medio de la marcha. Aquello en 2008 y hoy en abril de 2009 el ilustrísimo mandatario (me sentí Kapuszinsky hablando del Sha o el emperador de Etiopia, jaja) no ha mostrado señales. Bonito País (en altas, como se escribe en Reforma).

Permítaseme un tercer ejemplo (qué estilazo traigo hoy). Un día –de los extraños que a veces tengo– platiqué con el hermano de Lucio Cabañas. Contaba que hoy, aún perseguido político, sólo queda hacer labor en el marco de la legalidad. Un discurso tan tibio como sincero y válido. No es ocasión de este texto explicar por qué, pero su labor es por demás valiosa.

Dejar de leer ese diario es apenas un síntoma de mi ánimo, reflejo de mi época. Vale decir que off the record, en ese medio reconocen que a veces defienden lo indefendible con la intención de hacer contrapeso frente a otras voces. Y está bien.

No culpo ni involucro a nadie pero ni los soñadores de los años setenta, con una estructura detrás de sí, siguen por acá. Las marchas están llenas de consignas vacías y discursos repetidos irreflexivamente. Me dirán por supuesto que hay algunos muy entusiastas que leen de una forma distinta a Marx, que proponen una novedosa reinterpretación, y mejor no diré nada.

Escribo todo esto porque una mala broma del destino envió a un funcionario del IFE a decirme que me tocó ser funcionario de casilla. Imagino que robarán las urnas y habrá balazos entre caciques o hacendados o que el pueblo enardecido echará abajo la elección para elegir a su líder del narco. Ya me veo colgado del cuello frente a la lechería de la colonia pero por 300 pesos vale la pena arriesgarse, etcétera.

Parece que no soy el único decepcionado o que fue cooptado. Mi generación abre la boca pero de ella sale, a diferencia de la del poeta beat Allen Gingsberg, más que un aullido, un bostezo. ¿Pueden culparme por eso?

Ya me vi exiliado por hablar del Presidente

Carballido vive... y eso es gracioso

2009-03-05T20:46:00.000-08:00

Hace tan solo un año de la muerte de Emilio Carballido y su legado está más que vivo. Por eso, bajo la dirección de Alberto Lomnitz, el Carro de comedias de la UNAM presenta la divertida sátira ¡Silencio pollos pelones, ya les van a echar su maíz!

La historia se desarrolla al sur del estado de Veracruz en 1963, cuando un grupo de “empresarios” estadounidenses visita la entidad para reclutar con engaños a los habitantes para un negocio ilegal y lleno de irregularidades. Pero es con la muerte de un tal Porfirio con la que se destapan conflictos de corrupción en el gobierno, la Iglesia y la asistencia social.

Todo lo anterior, contado como un juego. La anécdota, que bien podría adaptarse a cualquier época y región del país, no se narra de una manera lineal sino con saltos en el tiempo que los asistentes tienen claros porque son anunciados con letreros como los del menú de una fonda.

Con humor negro disfrazado de chiste blanco, los seis actores en escena representan un personaje y luego otro y otro; son un gringo y en dos minutos un jarocho. Se trata de un gracioso y original juego de vestuario y actuaciones.

En entrevista, Alberto Lomnitz, director de la obra, se refirió a los actores como “un grupazo”, pues en sólo seis semanas montaron esta obra y Muerte accidental de un anarquista, de Darío Fo.

Dijo también, que ¡Silencio pollos pelones... representa una gran exigencia física para su elenco, el cual debe montar y desmontar la escenografía durante todas las presentaciones y está de un lado a otro durante toda la puesta, además del mayor trabajo de la voz que exigen las presentaciones en exteriores. “Tienen que armar y desarmar escenografía, ser jóvenes, fuertes, tener buena voz y ser buenos actores. Está tremendo”, puntualizó.

Entre otras cosas, los actores tuvieron que aprender a bailar y tocar la jarana para cantar los sones jarochos que son importantes elementos de transición en la historia. Ello, como resultado de un entrenamiento vocal luego del proceso de selección que contó con más de 300 actores inscritos para las audiciones.

De acuerdo con Lomnitz, “debido a la naturaleza de Carro de comedias”, pensado fundamentalmente para presentarse en exteriores, la obra es “una versión recortada” de la pieza original del autor de Rosa de dos aromas.

El original escenario, que semeja un enorme guácal de madera, sorprende al público con cada resquicio que se convierte en un recurso para narrar una entrañable trama donde los personajes denuncian: “Habemos más pobres que piojos” o confiesan cantando: “Sólo queremos justicia, no la caridad poquita”.

Compañero de generación creativa de Jorge Ibargüengoitia y primer alumno en cursar la maestría en Letras con especialidad en Arte Dramático, por la UNAM en 1949, la obra de Carballido más que simple entretenimiento, es una reflexión sobre la sociedad mexicana, su ignorancia y sus vicios. Christian Gómez.

La vida en el condicional

2009-02-10T19:08:00.000-08:00

Hacía mucho no iba al teatro. El domingo pasado vi Encuentro de claridades. Encontré ahí mucho de mí. Qué jodido lujo. Ojalá se den el gusto...

Virgencita, tú que nos cuidas desde Lindavista, evítanos la pena de encontrarnos con nosotros mismos...

TEATRO. Encuentro de claridades

Escrito por Christian Gómez

Uno en París y la otra en la ciudad de México, Phillippe y Carmen son dos amantes que reflexionan sobre su separación. Condenados por la distancia, entretejen sus historias en la puesta en escena Encuentro de claridades.

Ideada y dirigida por Sandra Félix, la pieza cuya temporada se alargó debido al éxito, se basa en los libros El primer trago de cerveza y otros placeres de la vida, de Phillippe Delerm, y Jugo de naranja, de Carmen Villoro.

En palabras de la propia Félix, el argumento “nace de la fusión de dos textos que guardan mucho en común” pero que se distinguen “en cuanto a la visión de un hombre y una mujer, de dos culturas, la francesa y la mexicana”.

Se trata de un montaje en donde Úrsula Pruneda (Carmen) y Mauricio García (Phillippe), ambos egresados del Centro Universitario de Teatro, presentan dos monólogos que se entrecruzan. Monólogos nostálgicos que hablan del hartazgo de las rutinas y las formas.

Juntos plantean una serie de minucias de la vida cotidiana y del amor. Con una narración en segunda persona en la que hablan de tú al público, los actores aprovechan las imágenes en la memoria del espectador. Así, es en los recuerdos de los asistentes donde sucede la mitad de la obra, donde se completa.

Un juego de luces y una sobria escenografía del franco-mexicano Philippe Amand hacen viajar a los personajes y al público por toda clase de emociones y espacios; a través de las horas del día y las estaciones del año.

Entre canciones en francés del mítico cantante belga Jacques Brel, las letras de Delerm y la poesía de Carmen Villoro, los personajes sostienen diálogos inspiradores. “La vida está llena de pequeñas muertes”, dice Carmen. Y Phillippe: “ningún París es suficiente para escapar”.

Tanto los dos solitarios en escena, como el equipo de dirección y de montaje, son parte de un equipo ya conocido que coincidió en Polvo de mariposas, también de Sandra Félix. Obra basada en la novela Las olas de Virginia Wolf y otro ejemplo del gusto de la directora “por llevar a escena textos narrativos”.

Encuentro de claridades se presenta en el Foro Sor Juana Inés de la Cruz los sábados y domingos a las 12:30 hrs. Hasta marzo 29.

Lectura para dos: dibujando palabras

2009-02-03T17:38:00.000-08:00

Vinyl nació de la premura y es muy probablemente un texto menor. Una amable circunstancia le llevó en octubre del año pasado a las páginas del número 3 de la revista Trifulca. Literatura líquida. Igual que yo, Emmanuel vio extrañado la ilustración. Ajena. Quizá extraña.

En esta entrada, por mi parte, hay un título distinto y una coma de más. Por parte suya, una nueva ilustración: un nuevo texto, una traducción a las líneas. Se trata de una relectura, una recreación, un puente entre nosotros dos...

Vinyl

Pasábamos la tarde maquillándonos. Delicada como era, Sarah nos delineaba el contorno de los ojos con un lápiz azul. Vianette hacía lo propio llenándonos los párpados con sombras naranja. Luego nos hacía cerrarlos para soplar sobre ellos polvo brillante.

Cada una elegía un color distinto para la boca. Llegamos a tener veintisiete tonos distintos, nueve de ellos rosas, inmundos. Sarah escogía siempre el verde limón y yo, que era más conservadora, el rojo. Movíamos los labios de arriba abajo y los estirábamos para ver si el color era uniforme. Con el dedo medio, nos limpiábamos las manchas de los pliegues y besábamos una hoja perfumada para escribir luego una carta.

Por una petición mía, que nunca supe explicar muy bien, acordamos que no habría lunares sobre la boca. En cambio, cualquier truco en el rizado de las pestañas sería bien recibido.

Perla ponía colorete en nuestras mejillas y si le traíamos unas nuevas medias de red nos rociaba el cuello con el perfume de una botellita púrpura parecida a una señora robusta. Nos divertía el tejido de su atomizador en forma de corazón y la brisa dulce que desprendía.

Desde entonces y hasta entonces, mi piel supo de telas brillantes, terciopelo, abrigos, de plumas rosas y lentejuelas. Veía mis piernas torneadas con satín y mi espalda descubierta, provocativa.

Sarah, con sus uñas doradas, ponía la aguja sobre un viejo disco de vinyl con música de piano. Si había lluvia, me sentaba junto a la ventana a lanzar bocanadas de humo, echando cabeza hacia atrás. Era mi número.

Entonces yo cruzaba las piernas descubiertas y cantaba sentada sobre un piano que era tan real como mi deseo de sentarme en él y cruzar las piernas descubiertas y cantar. Me erguía y sonreía para cien hombres que sonreían conmigo y aplaudían entorpecidos por mi belleza.

Casi lloraban deseando tenerme entre sus manos; bajar el cierre del vestido, terminar con cada broche, con cada botón entre nosotros. Era hermosa, lo sabía. Y yo, tan digna como mi madre hubiera sido, giraba la cabeza y fumaba de la larga boquilla y de nuevo me echaba hacia atrás para exhalar la última bocanada de humo y suspirar con el último verso de la melodía. Mientras se llenaban las copas, los desdeñaba con las pestañas, tan coqueta, tan deseada, con mis manos grandes, mi espalda tan ancha.

Después el brindis, el petrolato, los pañuelos blancos, el saco. Y volvíamos a ser hombres, novios ejemplares, futuros maridos.

Emmanuel hace más cosas lindas acá:
http://www.mientrasmeaburro.blogspot.com/

"Si te digo que te amo y te espantas"

2009-01-21T11:01:00.000-08:00

En este blog publico las cosas que escribo y las fotos que hago. De eso se trata. Estoy en contra de aquéllos en los que la gente sólo postea videos o escribe links de páginas que les gustan, convirtiendo así los espacios en una burda versión de los forwards (¿se escribe así?), en una especie de periódico mural, sin agregar nada. Como digo siempre: total es gratis. Ni modo.

Soy corrector y reintérprete de "Si te digo que te amo y te espantas", una especie de crónica/cuento que escribió mi amigo José Luis Bustos. Me recordó un poco al Diario de una lesbiana que se publica en la revista Emeequis (aunque quizá sin la crítica social). Esta entrada es un homenaje a los blogs llenos de imágenes inconexas. La verdad es que el texto me divirtió y, para ser sinceros, la única razón es... que yo publico lo que quiero y quiero también a José Luis. Como diría Pepe... Oso baby mil xD

Si te digo q te amo y te espantas...

By POKA :D

Vete a la verga pedazo de ojete, jugaste con mis sentimientos y ahora me invitas un cuerno del Oxxo, q patán eres, pero aun así haces el amor como ninguno… Esta nota la tengo al margen de mi cuaderno de todología, ah, sí lo sé soy un desorden para tener algo bien... Cada vez que la miro me recuerda que te conocí una de esas tardes en las que no tenia nada q hacer y me metía a Manhunt, estúpida página la odio más que a mi bascula q me dice q subo y subo de peso como marrano…. En fin... Esa tarde me disponía hacer mis labores domésticas, pero me llegó un mail de un tipo q para variar enseñaba de más y zaz q me lanzo a la aventura del “cine”… Viendo tus fotos creí q seria algo como el Teresa o el pasaje Savoy pero nel… fuimos al cine de Reforma 222 , plaza concurrida x muchos jotos y señores de corbata q buscan carne fresca, vimos la película y tus intenciones me sorprendieron. No me tocaste ni nada, a lo q reflexioné que posiblemente no te había gustado… pero esa idea se fue unas horas más tarde cuando estábamos desnudos en tu cama y tú sobre mí.

Ese día sudé tanto q creo q bajé lo de las palomitas y el refresco… Recuerdo q me vestí y preguntaste: “¿Dónde compraste tus “calzones?”, a lo q respondí con sutileza: son American Apparel niño... no de la bodega Aurrerá. Me fui y creí q jamás sabría de nuevo de ti. Pasaron unos días y creí q no sabría más de ti... y vergas volviste a interrumpir mis labores domésticas... sonó el celular rin rin … che tono chafa … bueno... SURPRISE BABY ¡Eras tú invitándome a comer!.. Obvio dije sí… y pensé: “esta noche cena Pancho” xD Me bañé y me dirigí a la cita…. Ha, me fui bien pandroso y fuimos a comer a La Cava... Me sentí tan piojo yo en garras y todos con traje =S… Pero ese gesto fue el primero de tus pekeñas trampas diabólicas para enredarme y luego botarme.

Desde ese día comprendí q me gustabas y no es porque tengas 30 años o porque tienes una barba sexy o por tu abdomen bien cuidado o porque la tengas súperbien… sino por el “trato” q me dabas… tonto y estúpido que fui… ¿Así dice una rola de la Dalessio no? Haha X. Ese día no pecamos porque tenías q regresar al trabajo y yo dejé la jerga medio húmeda en mi cuarto, pero me diste un aventón pa mis rumbos… Pensé de nuevo q no sabría más de ti, pero de nuevo me volví a equivocar. Pasó una semana y me mandaste un mail por Manhunt, preguntéme yo: “¿era tan difícil que me pidieras mi correo, el cual tenía de encabezado?”… y decía algo así como: “vente a mi casa, comemos y jugamos lotería... ¿Quien fuck te invita a jugar lotería? Sería una versión porno con cartas como “de a perrito”, “blow job”, “picorete negro”… asco.

Esta vez no estaba haciendo labores domésticas sino weboneando así q me alisté y tomé el proletario q ya había subido a $3.50 y me dirigí a tus aposentos… Descubrí una nueva cualidad en ti: sabías cocinar. ¡Viva! Era algo más q hot dogs. Era algo como una especie de carne rara con una guarnición; ay, no sé q vergas pero estaba rikísimo y me dabas de comer en la boca. Y para mi sorpresa no jugamos lotería pero sí Turista. ¿Qué soltero de 30 años tiene un turista en su casa? ¿Qué falta? ¿Un gato? ¡Oso baby! Pusiste un poco de música, no estaba nada mal... Erotic lounge, muy buena selección… Ese día no cogimos… intimamos un poco más… ups… otra de esas cosas diabólicas q tramabas poco a poco. Estúpido gañán, grr…

Así me fui de tu casa con una sola idea: “este hombre me gusta de vdd”, esto se vio reforzado ya q al día siguiente llegó un mensaje a mi celular: “buenos días, ¿kieres ir a Mumedi a tomar algo?”… ha, sí, vamos, vamos… Pedí una malteada de fresa y un waffle con cajeta. Caminamos sin rumbo por el centro hasta la alameda donde platicamos sobre tu pasado y el mío awww. Ese día no me diste ray x mis rumbos, esta vez me llevaste a mi ksa y me besaste enfrente de mis vecinos chacalones… No me importa. Son más putos q yo.

Así seguimos saliendo como tres meses en citas esporádicas de al menos dos veces a la semana y poco a poco tus trampas surtieron efecto. Yo bien embobado y, según tú, fascinado. Llegó el día. Salimos a comer a Burger King, qué sanos, y me diste uno de esos dulces q me encantan, Zuordz… Sentados en una banca de Reforma me dijiste que lo pasabas increíble conmigo y q te gustaría q fuéramos algo mas q amigos. ¿Amigos? Si intimábamos entre las sabanas mínimo una vez a la semana jajaja ¡Oso! Y decidimos tener una “relación”. Para mí se tradujo a un “novio”. De nuevo caí. Puto. Así pasó como un mes más. Todo iba viento en popa pero como todo lo que empieza x Manhunt, también debe acabar… Qué deprimente suena eso. Duh.

Platicando con mi amigo le comenté del hombre con el q salía. Le enseñé el perfil y me puso una de esas caritas típicas de messenger con la boca abierta. Poco después supe q el “señor” salía con otro amigo mío en común… Me sentí como croketa de perro de segunda de esas q tiene en bolsitas de platico de a kilo en la tienda U___U

Al saber eso efectué las siguientes acciones: abrí una página del explorador, tecleé http://www.manhunt.net/, puse mi nick y mi pasword, busqué tu perfil y escribí lo siguiente: “si te digo q te amo… y te espantas”. Di click en enviar y así como llegaste en un mail, te fuiste igual…

Uno de estos días: consideraciones sobre Arte Postal

2009-01-10T18:31:00.000-08:00

Arte Postal. Uno de estos días es a la vez un proyecto artístico visual y un diálogo en el tiempo. En él convergen una serie de creadores o, por llamarlos genéricamente, artesanos de la imagen que se envían postales a través del correo tradicional y por Internet.

“Realizamos una apropiación de experiencias ajenas que nos llegan al buzón”. Mediante el establecimiento de un diario visual, sintetizan en postales los más disímbolos relatos del mundo, fijando así vínculos que trascienden los soportes de los mensajes y, dirían las mentes detrás del proyecto, los husos horarios.

Se trata de vínculos que existen y no. Es un desconocido intentando hablarle al otro de sí, de sus pasiones, miedos y –¿será cliché?– de sus fantasmas.

El diario visual consiste en imágenes que se convierten en signos de esa otra cosa que está en la mente y ha llegado de repente a este buzón. Percepciones y obsesiones que provienen de más de una decena de ciudades mexicanas, estadunidenses y españolas.

Como quien habla del no-lugar como un espacio tan uniforme que no posee un rasgo distintivo, Arte Postal es un ejemplo del no-tiempo, que trasciende la vigencia y la materialidad de los soportes y el anclaje de las postales a la realidad misma.

Sus carteros se convierten en autores de las piezas que contienen sus recuerdos. Son responsables de cronicar visualmente sus pensamientos, sus existencias. Están comprometidos a contar por entregas sus propias historias (discontinuas, ilegibles, tanto en la praxis como en el resultado visual).

Es una onírica y vulgar orgía de sentido. Una irreprochable, descarada, emotiva, irracional, autogestiva, indecente, propositiva vía de circulación del arte. Arte Postal es la nostalgia por el viejo correo y un saludo a la interacción mediante los nuevos medios, donde nuestro buzón o la bandeja de entrada se han convertido en el diván dispuesto para que un desconocido vuelque sus emociones.

“¿Cómo transmitir a los otros el infinito Aleph, que mi temerosa memoria apenas abarca?”, pregunta Borges en voz de un personaje. Los carteros de Arte Postal también se lo preguntan.

Arte Postal. Uno de estos días se presenta este 23 de enero a las 7 pm en La Casona Spencer, en Cuernavaca.

Viernes de mandarina

2009-01-09T19:18:00.000-08:00

Disfruto mucho el olor de las mandarinas. Un día hasta escribí un cuento. De varias bocas supe que era malo, que se parecía a un video de Alejandro Fernández (por cierto, y concédanme eso, era un video que no había visto). Hoy me he comido ya cinco. El olor se fue y ya sólo quedan las cáscaras, que sirvieron para esta entrada.

La otra voz de mamá

2009-01-05T19:18:00.000-08:00

Hoy por la mañana mamá y papá se miraban y escuchaban a sí mismos en una grabación de celular. Los dos reían porque la situación era muy ridícula. En cierto momento mamá dijo: "se oye muy fea mi voz". Mi papá le contestó: "nosotros sí te oímos así, es que tú te escuchas diferente, a ti".

Y yo que creo que conozco a mamá, nunca sabré cómo es esa voz...

De la muerte de un español

2008-12-22T19:46:00.000-08:00

Valentín Farragosa asiste a su propio funeral sólo para descubrir que él es el muerto. Despierta. Despierta pero está dentro de la caja y todo está oscuro y le falta el aire. Se da cuenta del carácter trillado de esta historia. Esta vez sí muere.

Y las flores se secaron...

Stradivarius

2008-12-21T22:14:00.000-08:00

Hace días que quisiera traerme entre dedos un gran texto. Pero no tengo más que el deseo. A veces pasa que me despierto y la computadora me llama y el coraje de perder las ideas entre sueños me mata. Y me levanto. Pero hace tanto que no.

Y busco...

Transgresores. Una mirada libre al fotoperiodismo

2008-12-21T21:54:00.000-08:00

Para continuar (y terminar) con el resumen de mi (periodísticamente) improductivo año, incluyo esta otra reseña de una muestra fotográfica de fotoperiodismo que se publicó también en La Tempestad Universitaria. Y me da pereza buscar en qué número, además de que no se consigue ya. No hay modo. No.

Fotografía
Varios artistas
Transgresores
Christian Gómez, UNAM

Aún pensadas con premura periodística, las imágenes pueden trascender por su planteamiento estético y conceptual. En Transgresores, una muestra del cuerpo de fotógrafos del diario Milenio, un grupo de zapatistas juegan basketball, Emilio Azcárraga baila frenético y George Bush mira infantil al cielo. “La ciudad se presta para un enfrentamiento de posturas, es lugar privilegiado para la trasgresión”, dicen los curadores. Admiten que la fotografía, incluso periodística, se convierte en discurso al aprehender la selección de un momento. Pero los fotógrafos no transgreden, viven en una sociedad transgredida. Vestida de novia, una mujer cruza la calle entre microbuses. Cerca, la primera dama se ve incómoda entre las participantes de un concurso de belleza. Transgresores retrata la vida política y cotidiana en plena crisis de roles y significación. Es un juego de analogías y contrastes entre espacios públicos y sus habitantes: humor negro sobre los grandes absurdos de nuestro entorno. No así, la falta de anclaje contextual limita la crítica de algunas imágenes a simples chistes visuales. Para los organizadores, el planteamiento no es periodístico sino una mirada plástica formal del acontecer. Peca de breve, pero basta para dejar en el público una sonrisa y un extraño toque de culpa.

Museo Archivo de la Fotografía, Guatemala 34, Centro Histórico.

La exposición ya terminó. En Transgresores, una mirada libre del fotoperiodismo participaron con su trabajo:

Claudia Guadarrama
Nelly Salas
Sandra Perdomo
Paola García
Omar Menéses
Octavio Hoyos
Enrique Gutiérrez
Víctor Cruz
René Soto
Oswaldo Ramírez
Jesús Quintanar
Javier García
Héctor Téllez
Martín Salas

Grito (Léase con música de Jarabe de palo)

2008-12-21T21:22:00.000-08:00

Hace días que no escribo

He contado con los dedos

Cuántas veces me he reído... un madrazo me ha válido.

Factory girl. George Hickenlooper

2008-12-13T19:13:00.000-08:00

Haciendo gala de lo poco que escribí este año y llevando a cabo lo que prometí al iniciar este blog sobre usar mis textos de archivo, presento esta reseña sobre Factory Girl. Es también una manera de comenzar un recuento de mi (periodísticamente) improductivo 2008. Una versión "editada" de este texto se publicó en la revista La Tempestad universitaria. También participé en el diario La Tempestad.

George Hickenlooper
Factory girl

Diversas historias se han creado en torno al controvertido artista estadunidense Andy Warhol, convertido él mismo en ídolo pop del que poco se conoce más allá de su famosa lata de sopa. Dirigida por el joven pero prolífico George Hickenlooper, Factory girl relata la historia de Edie Sedwick, una joven desenfadada y caprichosa por la que un humano y hasta inseguro Andy Warhol experimentó “una fascinación cercana a cierto tipo de amor”. Usando como metáfora el escape de un globo metálico, parte de la instalación Nubes de plata del creador, la cinta se divide en dos partes. El asenso de la joven que lo mismo posó para Vogue o Life que para la lente de Warhol y la ruina de una musa pop perdida en los excesos. Para soslayar conflictos legales o como titubeo en el argumento, el personaje que para la verdadera Edie llevó por nombre Bob Dylan es raramente encarnado por Hayden Christensen y simplemente nombrado en los créditos como “el músico”. Una afortunada edición intercala la narración en voz de Sedwick con retrospectivas y un manejo musical que dinamiza la exposición de la obra de Warhol junto a su compañera en medio de la convulsa década de 1960 en Nueva York. Lista desde 2006, la cinta se estrenó hasta este año pese a las protestas de los abogados de Dylan y con un impacto menor.

Imprecisiones

2008-12-09T20:31:00.000-08:00

En cierto momento, deseé que la lectura no terminara. Pero el autor, a su vez, quiso en algún tiempo –o tal vez fue así sin que él lo planeara– que la novela concluyera tras determinado número de páginas. Pasado un rato, en alguna parada de mi viaje a casa, me encontré con la página final. Y no me quedó más que leer un periódico de la semana pasada. Puta madre.

Bailando por un boleto

2008-11-10T06:00:00.000-08:00

<3 Esto es de cuando Emmanuel se convirtió en un genio amateur de la edición n_____n

Leila, tú eres la estrella.

Un café por El fuma-fuma

2008-11-02T13:35:00.000-08:00

Emmanuel duerme sentado junto a mí. Yo escribo. Estos informes son largos y dicen poco, cuestión de metodología. En cuanto halle la pista que busco tendré material de sobra para redactar un gran reportaje, con mucho color.

Andamos en busca de El fuma-fuma. Queremos saber cómo es que le vende mierda a la gente. Antes vendía cigarros; ahora mierda en papel encerado. Parece que le va bien y es bueno convenciendo. No sabemos. Pero ayer le vendió a una señora cien gramos en la Condesa.

Uno es periodista o eso intenta. Emmanuel en cambio se salió de trabajar para ayudarme en el proyecto. Cuando venda la investigación o la cuele en el Concurso Nacional de crónica o reportaje, el pago será en mitades. No sabemos si vamos a encontrar algo, pero nos sentimos reporteros de Proceso.

Antes de renunciar, Emmanuel le preguntó a Héctor, que es psicólogo y tiene un café por el World Trade Center, de qué se trataba. Héctor le dijo entre risas que el muy cabrón de El fuma-fuma –cómo me gusta escribir ese apodo– probablemente está hipnotizando a la gente, que sí se puede. Y aunque eso es como de Kaliman o de película de El Santo, no dudamos que sea cierto.

Eso de vender mierda es muy sugerente. Yo mismo debería estar vendiéndola en lugar de estar gastando tanto en preguntarme cómo y por qué la gente la compra. La respuesta está ahí: la gente compra todo, hasta mierda.

Pero en serio quiero ver mi nombre publicado. Encontrar a ese gran cabrón y que me venda un cuarto y a lo mejor un kilo. A ver qué me dice. A mi tía Vero le vendió una amarillenta –ahí supe que se trataba de mierda de perro– afuera del mercado de la colonia Obrera. Llegó a su casa llorando y riéndose y diciendo “qué ridícula”. Y fue rezarle a San Juditas.

Yo me encargo de las direcciones y las entrevistas; Emmanuel de las llamadas. Ya sabemos de unos veintiséis casos. Entrevistados van siete. Casi nadie quiere contarlo y al final siempre lloran. Ahí vamos.

Nos falta encontrarnos con El fuma-fuma. No hay quien no le haya visto. Emmanuel lo vio una vez en la Condesa, en el Parque España. Yo mismo tropecé con él en el tianguis del Chopo, otra en Zona Rosa y una más en el metro Balderas. Todavía vendía cigarros. Es cosa de pararnos en Coyoacán y esperarlo.

El fuma-fuma andará en los sesenta años. Usa zapatos deportivos y un suéter café, de secundaria técnica, hecho chaleco. “Anda bien peladito y es canosón”, nos dijo apenado de su anécdota Gabriel Rojas, arquitecto, en El Péndulo de Coyoacán. “Pero en la nuca trae unas extensiones que le llegan a la mitad de la espalda, como Ana Torroja cuando cantaba Hijo de la luna”, agregó su esposa. Según Emmanuel, también tiene un diente plateado. Una vez le compró un Camel.

Emmanuel tiene barba y fuma y asiente cuando la gente platica. Por eso me gusta llevarlo a las entrevistas. Nos creen más, nos toman más en serio. Hoy hablamos con Magdalena Reyes, de 54 años, quien aparenta más de sesenta debajo del delantal y el suéter tejido. Nos citó en el Vips de Avenida Central, en Nezahuacóyotl. Dijo:

"Ahora verán. ¿Cómo fue? Pues andaba yo en el centro con mi hija la mayor. Íbamos a la Parisina y a la París. ¿Qué chistoso suena, verdad? Total que andábamos por Madero porque a Rocío le gustan unos helados de yogur que venden ahí casi en la esquina con Motolinía. Yo la esperé afuera porque ahí también venden soya, todo de soya, y vieran nada más de verla el asco que me entra. Entonces se me acercó un señor, ya grande pero fornido él. Traía colgada del cuello una charola, ahora verán, como los que venden cerveza en los estadios. Es que a mi marido le gusta ir. Total que me dice el señor: ‘tú tienes muchos problemas. Yo sé de eso, se te ve en los ojos. ¿Cuánto dinero traes? Tú traes dinero’. Y ¿cómo les diré? En su pobre casa sí hay problemas y ¿cómo les diré? Se pone uno tan nervioso…"

Magdalena se echó a reír, nerviosa. Como cayéndole el veinte. Como decepcionada de sí. Pagó 320 pesos por un cuarto de mierda verde, también de perro. Llora. Nosotros pagamos 184 pesos; 16 de propina.

Llevamos veinte días en esto. Llamadas. Citas. Pagar café en Sanborn’s, molletes en Vips, moka en Starbucks. Emmanuel duerme junto a mí. Yo escribo. Me preocupa su cuello. De verdad que estamos muy cansados.

Pensando...

Cuando salí en Vogue

2008-10-29T19:16:00.000-07:00

Las fotos hechas por Tugo, El hombre detrás de la tecla xD

Y una foto de Karla

2008-10-27T06:41:00.001-07:00

La revolución que se durmió. Un retrato de Diego

2008-10-27T06:36:00.000-07:00

Toma uno. Cámara en mano. Un grupo de personas discute las condiciones de un documental. Planean cómo, qué narrar. Se trata de Un retrato de Diego. La revolución de la mirada (Gabriel Figueroa Flores, México, 2007), donde Diego Rivera se convierte en hilo conductor de una historia más amplia, la de quienes pusieron a México en imágenes durante la primera mitad del siglo veinte.

Son hijos del muralista que pintó para Rockefeller, del fotógrafo Manuel Álvarez Bravo y el cinefotógrafo Gabriel Figueroa. Y es justo donde termina su informal e innecesariamente filmada charla, después de su confesa vida a la sombra de sus padres, donde comienza la parte valiosa del trabajo.

En ella, se cuenta cómo Álvarez Bravo y Figueroa eran amigos de Rivera y decidieron hacer un documental sobre el artista a propósito del cumplimiento de los 50 años de su vida creativa. Un triángulo multimedia trabajando en imágenes sobre la creación de imágenes. Un metalenguaje.

Rivera dibuja, pinta a cuadro. Un joven lo mira, también a cuadro. Álvarez Bravo lo encuadra, compone la imagen. Figueroa lo filma.

De la mano crean una visión plástica de México. Rivera Pinta la Revolución, Álvarez Bravo retrata a sus campesinos convertidos en obreros mientras Figueroa plasma en imágenes en movimiento los sueños y la esperanza de la realidad.

Un retrato de Diego es un afortunado ejercicio bibliográfico, hemerográfico, documental. Casi académico. De una capacidad narrativa capaz de tejer el escenario político y creativo de una época. De analizar imágenes en el sentido formal, discursivo, pero también en el plano pragmático. Casi poético.

Dice de “La parábola óptica” de Álvarez Bravo: los ojos en un aparador muestran otra realidad “como si el espejo no nos regresara la mirada sino la continuara”.

Diego y los alcatraces. Diego y la casa del Anáhuac. Diego y las palabras de Frida. Diego y la vida. Diego y la muerte. El omnipresente Carlos Monsiváis se refiere al legado de Rivera como un ejercicio de ascetismo, siempre en busca de la perfección.

Mientras, José Luis Cuevas presenta una versión disminuida y titubeante de su protesta contra lo que en su tiempo llamó “La cortina del nopal”. “(Sólo) Estaba en contra de la inmovilidad”, dice. ¿Será que lo perdonó al tiempo?

Estrenado en octubre de 2007, Un retrato de Diego (La revolución de la mirada) es por una razón más un metalenguaje: es un documental sobre otro documental que nunca se concretó. Con apenas 14 copias, también se perdió en el olvido.

World Press Photo 2008

2008-10-18T19:25:00.000-07:00

World Press Photo. La realidad compuesta
Por Christian Gómez

Para los organizadores de World Press Photo, la prioridad no fue escoger la mejor imagen sino realizar la tarea “un poco incómoda” de seleccionar las más representativas de cada tema. Todas ellas, destacadas por “desafiar las convenciones de fotoperiodismo”, para estimular al espectador, hacerle reflexionar.

En la edición 2008 de este concurso, que se exhibe en el museo Franz Mayer, se recompensa el trabajo creativo del fotoperiodista, no el cómodo. Los jueces de World Press Photo se ocupan de la forma, no del contenido. Califican la foto, no son jueces del mundo.

Los retos de la imagen periodística son diversos. Entre ellos, lograr un balance entre la técnica y el mensaje. Deben moverse cautelosamente entre los cánones del periodismo y el coqueteo con el arte. El fotógrafo de prensa trabaja en el umbral entre la denuncia social y el registro de los hechos. También busca reconocimiento como autor.

Para revistas, diarios y portales de Internet, los periodistas gráficos trabajan en una composición de la realidad. Formalmente, ordenan los hechos sociales en un cuadro de imagen.

Así, ponen la dimensión de la tragedia china en perspectiva, la pobreza afgana a contraluz y a los yoguis indios en un juego de planos y profundidad. Muestran la anorexia en contrapicada. Encuentran la belleza en la malaria.

Retratan en claroscuro a un padre vietnamita y su hijo, quienes hace ya cinco años han quedado sin hogar. La nostalgia en panfocus –todos los elementos de la imagen vistos con nitidez–, días después del último cumpleaños, el número 101, del coreógrafo ruso Igor Moiseyev. Sentado junto a su esposa, amoroso, en una recámara.

Los trabajos seleccionados le ponen rostro a las tragedias. No sólo eso. Encuentran la dimensión social –búsqueda incesante del periodismo– en la vida cotidiana.

Violencia en Latinoamérica, en África, en Medio Oriente. Temas recurrentes pero replanteados ante cada lente. Pobreza, marginación, intolerancia. Abuso sexual. Analfabetismo. Guerra, prisioneros, dolor. Atentados contra la naturaleza. Su violenta respuesta.

En World Press Photo encuentran lugar los aparentes sinsentidos y las diversas cosmovisiones en otras latitudes. Por ejemplo, los registros de Cristina García del culto a Maria Lonza en Venezuela. Tan sui generis, cercano a los rituales africanos y de la mano con la muerte.

Se vuelven diálogo intercultural. Olivier Gulman retrata mirando la televisión a una mujer inglesa, una marroquí, un hombre japonés, uno nigeriano y un niño japonés.

Las fotografías pueden tener diversas lecturas. Una mujer recostada sobre un sofá, con el maquillaje corrido y probablemente alcoholizada o drogada, se convierte en imagen de la decadencia. Se trata de una actriz: Martina Gusmán en el set de la película Leonera. Una fotografía hecha por Stefano De Luigi.

Capaz de engañar a cualquier incauto que no lea el contexto que se ofrece junto a cada imagen, queda claro que éstas no hablan por sí mismas.

La foto posada. La serie trabajada, casi montada. Algunos barridos, más artísticos que informativos. Todas ellas permiten reflexionar hasta qué punto es registro y hasta dónde creación.

Las fotografías son una postura, una interpretación del fotógrafo. Una visión del hecho, cargada de una intencionalidad, consciente o inconsciente, que debe tomarse con cierto cuidado. “Aunque las fotos no mienten –afirma Lewis Hine–, los mentirosos pueden hacer fotos”.

Al premiarle por las verdades que retrata, World Press Photo se convierte en una suerte de vigilante del fotógrafo de prensa.

Esta reseña también fue publicada en el No. 13 de la revista electrónica Escrutinio

El Fastigio. Igual es gratis

2008-10-16T21:20:00.000-07:00

Hoy estoy molesto porque perdí un trabajo por culpa de los virus. Se borró de mi USB. Por eso, platicando con mi admirada Liz, reportera e investigadora en El Universal, miembra del cuerpo de adjuntos de Celia Shoijet, decidí tener un blog para tener dónde despotricar y quizá publicar alguno de los muy pocos textos que últimamente escribo.

Es algo que quería hacer hace mucho, pero no me atrevía. Un poco por pena. Un tanto por la certeza de que no sería leído. Pero ya no me importa. Igual es gratis.

Lo de Fastigio es por Rayuela, de Julio Cortázar. Es la punta de algo o el momento más alto, el peor de una enfermedad. Igual porque desde ese punto puede que las cosas se vean mejor. ¿Pura mamada? Igual Talita dice: “Fastigio. Bonita palabra, lástima lo que significa”.

Pese a la mala conexión a Internet, tengo textos de archivo y algo de ganas. Espero alguien me lea. Si no, de nuevo digo: igual es gratis.